Que faire à Maurepas et alentour ?

Séance spécialement destinée aux enfants de 3 à 5 ans et à leur famille. Les Étincelles du Palais de la découverte proposent une séance de planétarium spécialement conçue pour les jeunes observateurs du ciel.

Afin de repérer étoiles et planètes, un astronome sera présent pour guider les petits explorateurs sur la voûte céleste avant de les accompagner pour un inoubliable voyage dans l’espace.

Maximum deux accompagnateurs par enfant, tous munis de billets

Le Jardin des Serres d'Auteuil à Paris est un lieu idéal en automne pour admirer les floraisons tardives et observer la tourbière. Les points forts du jardin en automne

- La tourbière : L'automne est la période idéale pour l'observer et y découvrir des écosystèmes spécifiques.
- Les serres historiques : Un chef-d'œuvre architectural de la fin du XIXe siècle (1898) peint en bleu turquoise.
- La collection tropicale : Le grand palmarium et les serres chaudes offrent un dépaysement total à l'abri de la fraîcheur extérieure.
- L'ambiance : Moins fréquenté qu'en été, le jardin offre une atmosphère calme, parfaite pour une balade reposante au milieu d'arbres remarquables.

Ce qu'il faut savoir pour votre visite

- Adresse : 3 avenue de la Porte d'Auteuil, 75016 Paris (en lisière du bois de Boulogne).
- Tarif : Entrée 100 % gratuite pour tous.
- Horaires des serres : Du lundi au vendredi de 8h à 16h ; le samedi et le dimanche de 9h à 16h45 (le parc ferme un peu plus tard).

Séance live de planétarium: Présentation du ciel du soir suivie d'une exploration des mondes exoplanètaires de notre galaxie. Quelle n’aurait pas été la surprise des Anciens d’apprendre ce que nous savons aujourd’hui, à savoir que les étoiles sont des astres de même nature que notre soleil et que beaucoup d’entre elles sont, à l’instar de notre étoile, entourées de planètes ? Laissez-vous guider par un astronome qui vous embarquera pour un voyage, qui commencera par la découverte du ciel étoilé, puis nous emmènera explorer les mondes exotiques de notre système solaire, avant de nous entraîner dans une expédition interstellaire à la découverte des mondes exoplanétaires de notre galaxie.

Avec des bandes de papier, une paire de ciseaux, du ruban adhésif et de la ficelle, explorez « avec les mains » des objets mathématiques intéressants et… amusants.

Devenez mathématicien(ne) le temps d'un atelier ludique et grand public. Découvrez un autre visage des maths, et entrainez-vous à résoudre des problèmes dont vous n'avez probablement pas l'habitude. Ces ateliers sont accessibles à toutes et tous à partir de 9 ans, et ne nécessitent que très peu de connaissances mathématiques. L’objectif est de laisser libre cours à l’expérimentation. Vous pourrez explorer, manipuler, raisonner, seul ou en groupe, et prendre plaisir à résoudre des énigmes mathématiques.
Exemples d'activités proposées : le cube de Conway, les tours de Hanoï, les triangles magiques, les cylindres colorés...

Promenades impressionnistes : nouvelle exposition à la Maison Berthe Morisot jusqu'au 7 septembre 2026 marque le centenaire de la disparition de Claude Monet, figure majeure de l’impressionnisme. Bougival, où l’artiste a posé son chevalet, participe à cette célébration nationale et internationale en proposant une exposition temporaire à la Maison Berthe Morisot.
Jusqu'au 7 septembre, la Maison, dont le parcours permanent est dédié à la première femme peintre impressionniste, accueille l’exposition Promenades Impressionnistes… sur les pas de Monet, Morisot, Hoschedé, une invitation à parcourir les paysages qui ont inspiré ces artistes.
Conçue comme une déambulation sensible, l’exposition met en dialogue les œuvres et les regards de Claude Monet, Berthe Morisot et Blanche Hoschedé, révélant la manière dont chacun a saisi la lumière, le mouvement et l’émotion de la balade en plein air.

Le Ballon Generali de Paris a (enfin) réouvert, rendez-vous au parc André Citroën pour admirer la capitale de haut ! À la recherche d’une sortie originale pendant les vacances de printemps ? Direction le Ballon Generali de Paris, dans le 15e arrondissement, pour une expérience à la fois spectaculaire, ludique et instructive : admirer la capitale à 150 mètres de hauteur tout en découvrant, en douceur, les enjeux liés à la qualité de l’air et au réchauffement climatique grâce aux outils scientifiques embarqués à bord

Le Ballon Generali de Paris : une vue unique à 360° sur la capitale

Voir Paris autrement, sans quitter la ville. Installé dans le Parc André Citroën, le Ballon Generali offre l’une des vues les plus impressionnantes de la capitale.

En quelques minutes, les visiteurs s’élèvent jusqu’à 150 mètres de hauteur pour profiter d’un panorama à 360°, avec une visibilité pouvant atteindre 50 km par temps clair. Tour Eiffel, Montparnasse, les Invalides, … Tout se dévoile dans une perspective rare.

Mais l’expérience ne se limite pas à la vue. Le Ballon Generali est aussi un véritable laboratoire volant, équipé d’instruments permettant de mesurer la qualité de l’air et certains indicateurs liés au climat.

Une façon simple et concrète de mêler plaisir et compréhension des enjeux environnementaux


Ballon de Paris Generali ; Crédits : Ballon de Paris Generali

Un laboratoire volant

Au-delà d’offrir une expérience unique pour admirer la capitale à 150 mètres de haut, il ambitionne, en tant que laboratoire volant scientifique, d’éveiller les consciences sur le réchauffement climatique, de développer la culture de la prévention des visiteurs et des visiteuses afin de tendre à réduire leur exposition aux risques.

Côté qualité de l’air, son Loac (Light Optical Aerosol Counter), instrument de pointe installé sur la nacelle, continue également à mesurer 24 heures sur 24 la quantité de particules fines dans l’air jusqu’à 300 mètres d’altitude. Il mesure également en continue l’ozone grâce à un instrument du Lisa (CNRS) et les pollens en collaboration avec Lify air. Ces mesures contribuent aux recherches sur les impacts de la qualité de l’air sur la santé et à une meilleure connaissance des polluants dans l’atmosphère.

Côté réchauffement climatique, il va permettre à des chercheurs et chercheuses d'approfondir leurs connaissances sur les gaz à effet de serre en ville en mesurant les niveaux de CO2 et de CH4 dans l’atmosphère, du sol jusqu’à 300 mètres.

Des nouveaux tarifs pour les seniors et les jeunes

Bonne nouvelle pour les familles élargies et les groupes d’amis : le Ballon Generali propose désormais un tarif réduit pour les seniors (65 ans et +) et les étudiants :
16 € au lieu de 20 € (-20 %)
Valable toute l’année, du lundi au vendredi, de 9h à 13h, sur présentation d’un justificatif.

Une offre pensée pour encourager les sorties intergénérationnelles pendant les vacances de printemps mais aussi, tout le reste de l’année : grands-parents, étudiants, familles ou visiteurs de passage… Tout le monde peut prendre de la hauteur !

Le Ballon Generali de Paris peut être fermé sans préavis, notamment en cas de conditions météorologiques défavorables. Avant votre visite, vérifiez en temps réel (https://ballondeparis.com/infos-pratiques "Ouverture dans un nouvel onglet").
Dernier vol à 19h45.

Du jeudi 12 novembre au jeudi 31 décembre 2026 Le dimanche de 11h à 21h30, Le samedi de 10h à 23h, Le vendredi de 11h à 23h et Du lundi au jeudi de 11h à 21h Cet évènement fait partie de Marchés de Noël 2026 : le calendrier complet

Les médiatrices et médiateurs du Palais de la découverte vous réservent l’essentiel de leur savoir-faire et vont vous surprendre sur de nouveaux terrains d’expérimentations et d’exploration. Ouvrez vite de nouvelles fenêtres sur le monde et attisez toutes les curiosités ! Ils sont passionnés et passionnants et vous préparent un retour aux sciences des plus vivifiants… Comme au Palais, réservez vos créneaux de médiation et suivez en famille, entre amis ou avec vos élèves les exposés dans 7 disciplines scientifiques : Astronomie, Chimie, Informatique et sciences du numériques, Mathématiques, Physique, Sciences de la vie, Sciences de la Terre

Présentation de nombreuses expériences d'électrostatique à l'aide d'une machine délivrant 100kV. Les phénomènes électrostatiques sont nombreux dans la vie de tous les jours : petite étincelle en descendant de la voiture, foudre, mais aussi de nombreux autres exemples. A très petite échelle, les forces électrostatiques sont en oeuvre au cœur de la matière. L'exposé se propose d'étudier les forces électrostatiques à l'aide de nombreuses expériences, la plupart réalisée à l'aide d'une machine haute tension délivrant 100 000 volts. Influence et influence totale, ionisation, effet de pointe, condensateurs... sont au programme.

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente Florian Krewer : woven thin* , première exposition personnelle de l’artiste en France. Organisée suite au don de plusieurs œuvres de l'artiste au musée,… La pratique de Krewer est profondément autobiographique, nourrie par une confrontation directe avec le monde qui l’entoure, dans toute sa beauté brute comme dans sa violence. Puisant à la fois dans son expérience vécue et dans son imaginaire, la galerie de personnages qui peuple ses paysages et intérieurs éthérés est dépouillée de tout contexte et semble mener une existence autonome. Danseurs, performeurs, animaux et figures solitaires traversent des paysages urbains en mutation. Ils apparaissent détachés, comme libérés de la gravité du monde physique et de ses contraintes sociales. Dans cet univers en apesanteur, les peintures de Krewer célèbrent des moments d’intimité et une résilience collective au milieu d’un environnement le plus souvent hostile. Au Musée d'Art Moderne de Paris, sont exposées seize toiles monumentales récentes, dont certaines inédites. Accrochées de manière resserrées, elles produisent un panorama pictural dense qui reflète l'intensité de la pratique de l'artiste.

Florian Krewer (né en 1986 à Gerolstein, Allemagne) a étudié la peinture à la Kunstakademie de Düsseldorf. Parmi ses expositions institutionnelles récentes figurent Nice Dog, M Woods Museum, Pékin (2023) ; everybody rise, Aspen Art Museum (2023) ; et Es liebt Dich und Deine Körperlichkeit ein Verwirrter, Kunsthalle Düsseldorf (2022). Ses œuvres sont présentes dans les collections du Musée d’Art Moderne de Paris ; du Musée national d'art moderne - Centre Georges Pompidou, Paris ; du Metropolitan Museum of Art, New York ; du Hammer Museum, Los Angeles ; du Los Angeles County Museum of Art ; et de l’Albertina Museum, Vienne. En 2022, Krewer a reçu le Prix Jean-François Prat du fonds de dotation Bredin Prat. Il vit et travaille dans le South Bronx, à New York.

L’exposition sera accompagnée d’un catalogue publié par la galerie VeneKlasen, dont la parution est prévue en octobre 2026.

Avec le soutien de Arif et Dianne Suherman et de The Kiki Collection.

\Finement tissé

Jean-François Bauret (1932-2014) est l’un des photographes français les plus connus de sa génération. Il est principalement passé à la postérité pour ses nus et son travail pour la publicité. Dans… À ses débuts, à partir de 1959, il a également photographié de nombreux artistes, célèbres ou encore inconnus du grand public, chez eux ou dans leur atelier. Il immortalise ainsi des moments d’intimité avec le même sens de la composition et la même volonté de montrer « l’individu tel qu’il est ».

Certains portraits traduisent des recherches formelles plus affirmées, comme dans la série consacrée à la peintre Geneviève Asse, tandis que, dans d’autres, ce sont les pinceaux ou les palettes qui se substituent à l’artiste et l’incarnent. Les portraits présentés dans cette salle montrent tous des artistes dont au moins une œuvre est conservée dans les collections du musée d’Art Moderne de Paris.

Le travail de Jean-François Bauret a été présenté pour la première fois au musée d’Art Moderne de Paris en 1971 lors d'une exposition monographique organisée par la section de l’ARC (Animation – Recherche – Confrontation).

L’accrochage actuel fait suite au généreux don au musée par Madame Claude Bauret Allard, en 2017, de 80 tirages.

La trajectoire artistique singulière de Mariella Simoni (née en 1948) revisite les articulations entre art conceptuel et abstraction, entre poésie et matière. Originaire de la région du lac de Garde… Son passage à la peinture en 1982 peut être perçu comme le prolongement dans l’espace pictural de ces questionnements. La matière conserve dans ses tableaux cette même vivacité. La trace des gestes de l’artiste, la sédimentation des couches de peinture, témoignent de la temporalité parfois longue de leur conception. Elle s’installe à Vienne à cette époque et se lie avec plusieurs artistes qui partagent ses préoccupations, comme Herbert Brandl, Otto Zitko, proches des Junge Wilde, ou Franz West. Elle participe à plusieurs expositions organisées dans la galerie de Peter Pakesch, puis est invitée à exposer à la Documenta IX, manifestation internationale d’art contemporain, à Kassel, en 1992.

Artiste en mouvement, l’œuvre de Mariella Simoni évolue au fil des villes où elle séjourne : Athènes, Paris, Gand, New York… Elle se tourne occasionnellement vers la sculpture ou l’installation. Les variations de formats, de supports, de dominantes de couleurs, de contrastes, viennent constamment remettre en jeu sa pratique, comme le montrent ses récentes productions, qui manifestent une plus grande économie dans l’usage des matières, et un autre rapport au relief. La présentation de cet ensemble d’œuvres nouvellement acquises auprès de l’artiste et de Peter Pakesch témoigne de l’intensité de cette recherche artistique.

Cette nouvelle exposition à découvrir au Musée de l’Homme est le fruit de la rencontre entre Samuel Pavard, biodémographe et spécialiste du vieillissement au Muséum, et Nikos Aliagas, artiste… Cette exposition, à la croisée de l’art et de la science, propose de mettre en lumière la vieillesse en tant que réalité biologique, démographique et sociale, à travers une série de photographies.

Derrière l’objectif, l’artiste Nikos Aliagas capture des scènes du quotidien et réalise des portraits saisissants. Quelques-unes de ses plus belles photographies mêlées aux réflexions scientifiques du chercheur Samuel Pavard sont à découvrir dans le Foyer Germaine Tillion (250 m²).

En croisant leurs regards à la fois lucides et délicats sur les grands âges, l’exposition invite à s’interroger sur notre rapport au temps, sur la place que nous accordons aux personnes âgées dans nos sociétés et sur les liens que les différentes générations tissent entre elles.

Elle compare la longévité humaine à celle du reste du vivant et éclaire le public sur la place fondamentale qu’ont occupée les plus âgés dans l’histoire de notre espèce pour son évolution cognitive, sociale et culturelle.

Alors qu’aujourd’hui de nouvelles classes d’âge émergent, illustrées par la proportion grandissante des centenaires et plus, l’exposition questionne la réalité complexe de la vie aux grands âges ainsi que les nouvelles représentations de la vieillesse dans nos sociétés contemporaines.

Enfin, en valorisant le lien qui existe entre la question des grands âges et celle de la santé de notre planète, elle réaffime la légitimité de notre désir collectif de vivre des vies plus longues malgré un monde en proie à des changements environnementaux brutaux.

Dans le cadre du programme dédié au dialogue entre l’architecture et l'art contemporain, la Cité de l’architecture et du patrimoine invite Kennedy Yanko, artiste américaine de premier plan, à investir ses espaces. Elle y présente un ensemble inédit de sculptures conçu en résonance avec les moulages de la galerie Carlu, offrant un regard contemporain sur cet espace.

À l’occasion du centenaire de la naissance de François Morellet, la Cité de l’architecture et du patrimoine, en partenariat avec le Centre Pompidou et le Cnap, propose une exposition unique qui… L’œuvre monumentale intégrée à l’architecture

Depuis le début des années 1970, François Morellet a réalisé près de 140 œuvres monumentales, qu’il appelait ses « désintégrations ». Loin de se fondre dans le décor, ses interventions dialoguent avec l’espace, perturbant les perspectives, jouant avec la lumière et bousculant la rationalité des lignes. Son approche, à la fois rigoureuse et pleine d’humour, invite le spectateur à un parcours ludique au cœur de l’architecture, transformant la visite en véritable expérience sensorielle et intellectuelle.

Un dialogue entre art, patrimoine et public

L’exposition met en lumière l’influence de Morellet sur la manière dont l’art contemporain peut investir et transformer l’espace public et architectural. Ses œuvres, présentes dans des façades, des jardins, des gares et des places, témoignent d’un dialogue vivant entre abstraction géométrique et environnement urbain. En croisant le patrimoine architectural avec la création contemporaine, l’exposition permet de redécouvrir l’espace sous un regard inédit et stimulant.

Un hommage national

Cette exposition s’inscrit dans un vaste programme national, coordonné par le Centre Pompidou en collaboration avec le Studio Morellet et la galerie Mennour. Elle s’accompagne d’accrochages inédits, de redécouvertes d’œuvres dans l’espace public, de rencontres, de conférences et d’un colloque international. L’objectif : réinterroger l’héritage de François Morellet, sa place dans l’histoire de l’art, et l’influence durable de son œuvre sur les artistes contemporains.

Une plongée fascinante à la découverte d'un art du trompe-l'oeil en Corée, entre bibliothèques savantes et mondes oniriques ! Royale, universitaire ou muséale, la bibliothèque demeure un trésor de savoir et d’évasion. À la fin du 18e siècle en Corée, dans le royaume du Joseon, le roi Jeongjo (r. 1776-1800) trouve dans la contemplation d’une peinture de bibliothèque un moyen de demeurer symboliquement entouré de ses livres : un trompe-l’œil prolongeant l’esprit du cabinet d’étude, stimulant la vertu, la curiosité et la conversation savante. Jeongjo confie alors aux peintres de l’Académie royale la réalisation des premières peintures de bibliothèques en trompe-l’œil, installées dans son cabinet de travail ou même derrière son trône. Les ambassades coréennes à Pékin jouent alors un rôle déterminant. Les envoyés de Joseon y découvrent les cabinets de trésors chinois, ainsi que l’art jésuite de la perspective, diffusé à la cour des Qing et dans les églises de la capitale impériale par les artistes européens. L’alliance entre l’accumulation érudite chinoise et le savoir-faire européen en matière de trompe-l’œil nourrit l’inventivité des peintres coréens, qui développent un usage singulier de la perspective, le chaekgeori_.

Rapidement, ce nouvel art du livre et des objets se diffuse dans les palais, les demeures aristocratiques et les foyers provinciaux. Livres, porcelaines, bronzes archaïsants, instruments d’écriture ou objets venus de Chine, du Japon ou d’Occident s’y accumulent dans un jeu d’illusions optiques savamment maîtrisé. Loin des vanités européennes, ces bibliothèques peintes ne renvoient pas à des collections réelles, mais à un cabinet des désirs, à ce que l’on aspire à posséder un jour. À partir de la fin du 18e siècle, le livre perd sa valeur savante pour devenir décoratif ; les perspectives se brisent, les formes se distordent, les animaux fantastiques apparaissent. La bibliothèque s’éloigne du réel pour rejoindre un univers à mi-chemin entre surréalisme, fauvisme et onirisme.

Pour la première fois au musée Guimet, une exposition redonne à ce mouvement pictural sa place centrale, loin de l’image folklorique ou purement décorative qui lui est trop souvent associée. Elle tisse des liens entre l’art jésuite et l’art coréen, montre l’impact des ambassades coréennes à la cour de Chine, notamment à travers un exceptionnel rouleau peint de plus de cinq mètres du 18e siècle présenté pour la première fois, et révèle la diffusion des codes de la perspective grâce à des œuvres provenant du Louvre et du Asian Civilisation Museum de Singapour. Elle démontre également que la Corée du Joseon était tout l’inverse d’un « royaume ermite » mais un pays ouvert, curieux, en dialogue constant avec le monde.

L’exposition retrace les débuts de la révolution « Femme, Vie, Liberté » et la manière dont ce mouvement inédit s’inscrit dans l’histoire de l’Iran contemporain. Depuis l’arrestation et la mort de Jina Mahsa Amini, l’Iran connaît une révolution sans précédent. Cette exposition présente une sélection de dessins de Kianoush Ramezani et de Mana Neyestani, deux dessinateurs de presse iraniens en exil en Europe qui couvrent l’actualité iranienne par des dessins quasi-quotidiens. L’exposition retrace les débuts de la révolution « Femme, Vie, Liberté » et la manière dont ce mouvement inédit s’inscrit dans l’histoire récente de l’Iran contemporain. Elle évoque les gestes que la population iranienne a fait siens depuis septembre 2022 et certaines des personnalités devenues d’autant plus populaires qu’elles ont soutenu publiquement la révolution de Mahsa.

Kianoush Ramezani, né en 1973 au nord de l'Iran, est un artiste militant réfugié politique qui vit aujourd'hui entre la France et la Finlande. Il a été contraint de quitter l'Iran en décembre 2009 après avoir dénoncé publiquement la fraude électorale du clan Ahmadinejad. Quelques mois avant l'attaque contre Charlie Hebdo, il prononce un discours intitulé "cartooning : l'art du danger". En 2015, il fonde l'association United Sketches qui soutient les caricaturistes exilés et milite pour la liberté d'expression. En 2022, il remporte le prix LiberPress.

Mana Neyestani est né à Téhéran en 1973. Il mène des études d'architecture avant de se tourner vers une carrière de dessinateur. Avec l'émergence des journaux réformateurs iraniens en 1999, il se tourne vers le dessin de presse. En 2006, il est emprisonné pour l'un de ses dessins. Il s'exile ensuite en France. Il est l'auteur de plusieurs ouvrages, dont une œuvre de fiction intitulée Les Oiseaux de papier_. Il reçoit en 2012 le Prix international du dessin de presse.

L'exposition est accueillie au Lumen du 9 novembre 2026 au 10 janvier 2027. Elle est accessible aux personnes à mobilité réduite.

Vernissage et concert le 18 novembre à 18h
Yalda - soirée de lecture persane à partir de 18h30

Dessinateur pour étoffes. Aux sources du design textile au 19e siècle Le Musée de la Toile de Jouy à Jouy-en-Josas accueillera une nouvelle exposition à compter du 19 juin 2026.
L’exposition « Amédée Couder, dessinateur pour étoffes. Aux sources du design textile au 19e siècle » mettra en lumière le travail de dessinateur d’Amédée Couder (1800-1864) pour les manufactures d’impression textile et notamment pour celle de Jouy au début du 19e siècle. A l’aune de l’essor industriel de la France, l’artiste est ainsi connu pour avoir transposé les motifs tissés de palmettes et boteh des châles cachemires, très à la mode au 19e siècle, pour l’impression sur étoffes. Il fonde aussi un cabinet de création de motifs destinés à l’industrie et aux manufactures textiles et décoratives, où travaillent de nombreux artistes.
Amédée Couder peut être considéré comme un des premiers designers de motifs travaillant dans un studio indépendant et vendant ses services aux fabricants. Il endosse ainsi un rôle majeur dans l’histoire des arts décoratifs laissant derrière lui un grand héritage, qui fait encore écho aujourd’hui dans le monde du design textile et de la création ornementale.
A travers la présentation de plus de 50 œuvres textiles, graphiques et techniques ainsi que de documents d’archives, l’exposition mettra en regard le travail de Couder avec celui des autres dessinateurs industriels contemporains et montrera les relations que l’ensemble de ces artistes entretenaient avec les manufactures d’impressions textiles parisiennes du 19e siècle.
Site web :
https://www.museedelatoiledejouy.fr/expos\temporaires/amedee-couder-dessinateur-sur-etoffes/:~:text=AM%C3%89DEE%20Couder.-,Dessinateur%20pour%20%C3%A9toffes.,compter%20du%2019%20juin%202026.

Sur près de 1 800 kilomètres de littoral et à travers une quarantaine de langues, les Premières Nations du Nord-Ouest américain ont fait de leur art un langage sacré, peuplé d'esprits et de figures… Les Premières Nations du Nord Ouest américain ont développé, sans agriculture ni écriture, des sociétés sédentaires complexes fondées sur l’abondance des ressources naturelles : saumons, poissons chandelles, mammifères marins et vastes forêts de cèdres. Cette richesse a permis un mode de vie élaboré et une pensée originale.

Leur art, profondément lié à leur vision du monde, met en scène êtres prodigieux et animaux esprits tel Corbeau, créateur et ancêtre des clans. Ces figures, garantes d’histoires et de droits ancestraux, ornent mâts héraldiques (totems), maisons, masques, vêtements et objets quotidiens. Leur production suit des règles symboliques et stylistiques précises, faisant de cet art un langage sacré.

Au 18ᵉ siècle, lors des premiers contacts avec les Européens, ces peuples formaient une mosaïque de clans où la filiation se transmettait le plus souvent par les femmes. Droits, savoirs et obligations structuraient un vaste réseau social qui reliait les communautés bien au-delà du cadre de chaque village.

Leur pensée et leurs créations ont profondément marqué anthropologues et artistes, de Boas et Lévi Strauss aux surréalistes comme Max Ernst et André Breton. Aujourd’hui, leurs traditions artistiques et spirituelles demeurent vivantes, témoignant d’un héritage exceptionnel.

Dans le cadre de son programme Open Space, la Fondation Louis Vuitton invite l’artiste Saoudien Mohammad Alfaraj (1993, Arabie Saoudite) à concevoir une œuvre in situ en en galerie 8, à l’occasion… Artiste multidisciplinaire, Mohammad Alfaraj vit et travaille depuis l’oasis d’Al Ahsa, où il développe une pratique qui mêle écriture, vidéo, photographie, dessin et sculpture.

Imprégné des traditions orales de l’Arabie Saoudite, Mohammad Alfaraj s’inspire des pratiques sociales, des architectures urbaines ou rurales ainsi que des récits de la vie quotidienne pour explorer les relations entre l’humain et la nature. Ses œuvres prennent souvent la forme de fables poétiques qui interrogent les enjeux écologiques, sociaux et culturels contemporains.

L’exposition I’d rather be a dragonfly than a lion_ réunit un ensemble d’œuvres vidéo inédites au sein d’une installation composée d’objets, de photographies et de dessins. Nourries des imaginaires collectifs de son pays natal, ses vidéos d’animation réalisées selon la technique du stop motion_ donnent forme à des récits poétiques écrits et interprétés par l’artiste lui-même.
Travaillant avec une économie de moyens revendiquée, Mohammad Alfaraj réalise l’ensemble du processus de création — écriture, mise en forme des personnages et des décors, prise de vue et animation. Ancrées dans le contexte culturel d’Al-Ahsa, ces histoires mêlent imaginaire, mémoire collective et relation au vivant, trouvant un écho universel bien au-delà de leur contexte d’origine.

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente du 18 septembre 2026 au 24 janvier 2027 la première exposition en France consacrée à l’artiste américain Kerry James Marshall (né en 1955 à Birmingham,… Organisée par la Royal Academy of Arts de Londres, et en collaboration avec la Kunsthaus de Zurich, l’exposition Kerry James Marshall : The Histories\ présente soixante-dix œuvres, dont huit peintures inédites réalisées spécialement pour l’exposition.

Considéré comme l'un des peintres contemporains les plus influents, Kerry James Marshall est connu pour ses compositions monumentales qui donnent une place centrale aux personnes noires, élevant fréquemment le banal au rang d'épopée. En inscrivant ces figures dans des archétypes de l’histoire de l’art, l’artiste invite le spectateur à prendre la mesure de la puissance incontestable de leur présence. Kerry James Marshall aborde des thèmes tels que la traversée forcée des Africains réduits en esclavage vers les Amériques, l'héritage des mobilisations noires américaines comme les mouvements des droits civiques et du Black Power, sans jamais représenter directement la violence et l’aliénation. Son œuvre puise son inspiration aussi bien dans le canon établi par l’histoire de l’art occidental que dans d'autres formes d'expression visuelle issues de la culture populaire, notamment la peinture française du XIXe siècle, la culture contemporaine, l'Afrofuturisme, la bande dessinée, et la science-fiction.

Conçue avec le soutien de l’artiste, l’exposition a pour ambition de retracer plus de quatre décennies de sa carrière. Elle présente de nombreux cycles d’un travail qui se déploie principalement dans le champ de la peinture mais aussi à travers des gravures, des dessins et une sculpture, provenant de musées et de collections privées d’Amérique du Nord et d’Europe.

Le Musée d’Art Moderne de Paris met à l’honneur l’œuvre de Kerry James Marshall, poursuivant ainsi une série d’expositions monographiques pionnières en France consacrées aux artistes noirs américains, notamment Kara Walker (2007) et Jean-Michel Basquiat (2010). Kerry James Marshall travaille par séries et par cycles, comme en témoigne l'organisation chrono-thématique de l'exposition, qui présente onze groupes d'œuvres réalisées entre 1980 et aujourd'hui.

À l’automne 2026, le Musée d’Art Moderne de Paris dédie une importante exposition à Simone Fattal, artiste libano-étatsunienne née en 1942 à Damas et installée à Paris depuis de nombreuses années. Rassemblant une centaine d’œuvres, l’exposition retrace plus de cinquante ans de son parcours artistique, des premières peintures de paysage aux céramiques et collages. Organisé selon une succession d’ensembles et hors de toute chronologie, le parcours de l'exposition invite les visiteurs à explorer les lignes de force d'une œuvre aux aspects divers et en constant renouvellement.

Passionnée de littérature et d’archéologie, Simone Fattal a d’abord mené des études de philosophie à l’École des Lettres de Beyrouth, puis à La Sorbonne, complétant sa formation par des cours à l’École du Louvre.

À la fin des années 1960, c'est à Beyrouth qu’elle s’initie à la peinture en peignant inlassablement des arbres, le front de mer et les montagnes, repoussant les limites de la figuration. En 1972, elle rencontre Etel Adnan (1925-2021), poétesse et peintre libanaise, avec qui elle partage près de cinquante ans de vie et de complicité. En 1980, contrainte de quitter le Liban en raison de la guerre civile, Simone Fattal s’installe en Californie, à Sausalito au Nord de la baie de San Francisco. Elle abandonne alors temporairement la peinture pour se consacrer pleinement à la fondation des éditions The Post-Apollo Press (1982-2017), dont le nom s’inspire du programme spatial Apollo dans lequel elle perçoit l'amorce d'une nouvelle ère dans l'histoire de l'humanité.

À partir de 1988, elle s’engage dans une pratique de la céramique après avoir suivi les cours du College of Marin et du San Francisco Art Institute. De l’argile émergent des figures archaïques aux lignes anthropomorphes ou animales qui puisent leur inspiration dans les épopées mythologiques du bassin méditerranéen, principalement de la Mésopotamie ou de la Grèce antique, de l’Épopée de Gilgamesh à l’Iliade et l’Odyssée.

Les années 2010 marquent la fin de la parenthèse éditoriale de The Post-Apollo Press et le retour définitif à Paris. En marge de la sculpture et de la production de collages aux récits intimes et collectifs, la peinture de paysage réapparaît. Exécutées à traits vifs, des aquarelles colorées et des encres noires aux motifs végétaux traduisent sa vision d’une nature animée d’une force vitale sans limites.

Cette première exposition dans un musée parisien rend hommage à une artiste majeure internationalement reconnue mais restée peu montrée en France.

Balade Nature & Montessori. (Re)connectez-vous à la Nature en Famille. En DUO 1 enfant/1 adulte Les Dimanches au Vert en famille proposent aux parents et leurs enfants de 3 à 10 ans des expériences Nature pour leur permettre de vivre ensemble des aventures riches et complices les dimanches de 10h à 12h. Chaque Saison à travers nos 5 sens.

Au programme :


Aventure et Apprentissages avec les secrets de Dame Nature distillés au gré des rencontres végétales ou animales, en fonction du moment et des besoins de chacun. Éveiller les curiosités, entretenir (ou réveiller ;) l’émerveillement, créer l'envie d’aller plus loin dans l’exploration.
Moment questions Nature et une pause Yoga Nature.
Jeux et contes sur la Nature. Une façon ludique, sensorielle et expérimentale de découvrir les comportements de la faune et la flore à chaque saison. Et pouvant donner lieu à de grands moments de fous rires.
Des Ateliers Créatifs 100% Nature à 4 mains. Petits et grands se font plaisir à fabriquer ensemble, toujours en fonction de la saison, des créations issues de la Nature... Sirop de pin, Peinture végétale, Mangeoires, Bijoux végétaux, Mobile végétal, Cadeaux 100% nature, etc.

Durée : 2h00

Activité organisée par Anne-Jeanne - Educatrice Nature/Educatrice Montessori

Infos et réservation sur [EcoNature : [https://www.eco-nature.org/experience/decouverte-nature-en-famille-avec-enfants-de-2-a-10-ans-parc-de-l-ile-st-germain-a-issy-les-moulineaux-1910](https://www.eco-nature.org/experience/decouverte-nature-en-famille-avec-enfants-de-2-a-10-ans-parc-de-l-ile-st-germain-a-issy-les-moulineaux-1910)](https://www.eco-nature.org/experience/decouverte-nature-en-famille-avec-enfants-de-2-a-10-ans-parc-de-l-ile-st-germain-a-issy-les-moulineaux-1910)

Le musée Marmottan Monet et le musée de Grenoble présentent conjointement une exposition exceptionnelle consacrée à l’art du paysage, de 1890 à nos jours. Intitulée « Histoires de paysages… Le XXe siècle, qui s’ouvre sur une guerre mondiale, renoue le lien entre paysage et histoire. On avait cru à une séparation, à un triomphe du paysage devenu autonome. Il s’agissait d’une alliance nouvelle : l’union de deux forces s’entraidant pour affronter la violence du monde. On n’est pas trop de deux face à ce qui sidère.

L’époque a inventé de nouvelles formes, hybrides, dépassant et annulant tout idée de hiérarchie entre les genres, capables d’affronter l’histoire par l’addition de leurs qualités. C’est à ce champ de forces que la présente exposition aspire à donner forme visible et intelligible, en proposant un cheminement en onze stations qui interrogent, au fil d’un courant chrono-thématique, la relation entre paysage et histoire. S’ouvrant sur le geste de Claude Monet qui offre deux Nymphéas à la France, le lendemain de l’armistice du 11 novembre 1918, afin de célébrer la victoire, cette pérégrination témoigne de la résistance constance du paysage en tant qu’agent de l’histoire contemporaine. Il sera question de guerres, de quête de l’origine, d’appropriation et de nostalgie, de paysages intérieurs et de jeu entre nature et abstraction. Il sera question de la relation entre paysage et nation. Il sera question de rapport au temps autant qu’à l’espace, de la façon dont le paysage en tant que force agissante vient recouvrir l’histoire, entre deuil et oubli. Il sera question aussi, de la manière dont le paysage s’est imposé, tel un témoin, pour dire notre époque dans ses aspirations comme dans ses crises, ses utopies comme ses inquiétudes. Le paysage, aujourd’hui, n’est pas qu’une affaire de genre pictural comme il le fut autrefois. En photo, en sculpture, en vidéo comme en peinture, des artistes tentent de donner forme à notre histoire : notre histoire dans le paysage.

Onze sections chrono-thématiques structurent cette exposition : Nymphéas pour l’histoire, Paysages en guerre, Pays, paysage, Abstraire la nature, À l’origine, Paysages intérieurs, Passé, présent, futur, Local, global, total, Après l’histoire, le paysage, Paysages de l’Anthropocène, Paradis perdus ? Ce sont les étapes d’une traversée, les chapitres d’une histoire de notre siècle, dont la mémoire repose dans le paysage.

Deux regards, une décennie d'écart : les tout premiers clichés de la Polynésie française ressurgissent, signés d'un chirurgien de marine méconnu et d'un photographe déjà reconnu. Une redécouverte… En 2023, le musée a acquis un ensemble exceptionnel de photographies, premières images réalisées en Polynésie françaises entre 1859 et 1870. Elles sont l’œuvre de deux officiers de marine, Gustave Viaud et Paul Émile Miot, dont les approches complémentaires offrent un témoignage rare sur un territoire encore très peu photographié à l’époque.

Les négatifs sur papier de Gustave Viaud, produits entre 1859 et 1862, constituent un corpus inédit, longtemps conservé dans la famille Loti Viaud puis par un collectionneur privé. Frère aîné de Pierre Loti, Viaud joue un rôle majeur dans la naissance du goût de l’écrivain pour l’ailleurs, mais il est aussi un pionnier discret de la photographie. Installé à Tahiti comme chirurgien de marine, il expérimente rapidement ce nouveau médium. Ses images, entre paysages maîtrisés, scènes topographiques familières et effets subtils du vent sur la végétation, révèlent un véritable sens de la composition. Il réalise également en 1859 un portrait remarquable de Teriimaevarua II, reine de Bora Bora.

Dix ans plus tard, Paul Émile Miot, officier déjà reconnu comme photographe accompli, séjourne à Tahiti et aux Marquises. Utilisant le négatif sur verre au collodion, il capture côtes, paysages et visages de la société polynésienne, notamment la famille royale. Son regard précis, presque moderne, confère à ses compositions une force singulière.

Réunies, ces deux séries composent un matériau visuel saisissant, antérieur au développement massif de la photographie dans ces archipels. L’exposition propose de mettre en avant la beauté graphique des négatifs, tout en présentant agrandissements, positifs et tirages anciens. Les images de Viaud restées presque totalement inédites, et celles de Miot, jamais montrées dans une exposition dédiée jusqu'ici, dialoguent pour la première fois dans un même parcours.

À l’occasion des commémorations des 250 ans de l’Indépendance américaine, le Château de Versailles vous donne rendez-vous pour un voyage dans le temps spectaculaire. Du 23 juin 2026 au 31 janvier 2027, venez découvrir "Lumière de la Liberté", une toute nouvelle expérience immersive en réalité virtuelle et augmentée !
Pendant une déambulation de 15 minutes au sein du (https://bienvenue.chateauversailles.fr/fr/vue-generale/bienvenue-a-versailles/2038_experience-interactive-vr-lumiere-de-la-liberte#!panel-66), revivez les grands événements de la [Révolution américaine](https://www.chateauversailles.fr/actualites/evenements/versailles-independance-americaine) aux côtés du célèbre marquis de La Fayette. Au cœur des enjeux politiques et des batailles historiques, cette aventure saisissante vous dévoilera le soutien décisif de la France à la naissance des États-Unis.

Comment Réserver ?

Pour s'adapter au mieux à votre programme, le Château de Versailles propose deux options de billetterie :

L'Expérience Complète (Jusqu'à 16h) : (https://ticket.chateauversailles.fr/fr/billetterie?step=entry&product=1113351&gl=1*1xfenoi*gcl_au*NTE1OTg5Njk1LjE3ODIxMzUzNjM.)

Idéal pour ceux qui souhaitent passer la journée au domaine ! Ce billet à 42 € inclut l'expérience de réalité virtuelle, tout en vous faisant bénéficier d'un accès coupe-file très avantageux pour la visite du Château.

L'Expérience Découverte (À partir de 16h) : [L'Expérience VR Seule](https://ticket.chateauversailles.fr/fr/billetterie?step=entry&product=1113373&gl=1*1xfenoi*gcl_au*NTE1OTg5Njk1LjE3ODIxMzUzNjM.)

Parfait pour clôturer votre journée ! Pour seulement 7 €, profitez de l'expérience interactive en réalité virtuelle seule. Une option idéale à programmer avant ou après votre visite des Jardins, du Trianon ou du Château.
Ne manquez pas ce rendez-vous inédit où les nouvelles technologies subliment l'Histoire ! (Https://ticket.chateauversailles.fr/fr)

Portée par l'expertise scientifique de l'Osmothèque, Conservatoire International des Parfums, installé à Versailles, cette exposition propose une plongée dans l'histoire du parfum français. Bénéficiant de prêts de nombreux partenaires, institutions et collectionneurs privés et enrichie de dispositifs olfactifs inédits, la présentation faite au public est l’occasion de se laisser guider dans un voyage au cœur de ce qui fait l’Ame de la parfumerie française.
Cette exposition immersive propose une expérience sensorielle captivante à travers les grands sillages qui ont marqué l’histoire de la parfumerie, de ses origines royales à son rayonnement mondial actuel.
De la Renaissance à nos jours, des traités du XVIème aux créations contemporaines, le parfum a connu de nombreuses transformations. Entre histoire, luxe et création cette exposition témoigne de la vitalité et du prestige de la parfumerie française à travers le monde, d’hier à aujourd’hui.
Exposition co-produite par la ville de Versailles et l’Osmothèque, Conservatoire International des Parfums.
Autour de l’exposition :
Détails et inscriptions via [l'Agenda de l'Osmothèque.](https://www.osmotheque.fr/activites/)

À l’espace Richaud : visites guidées pour tous les publics y compris pour les enfants
À l’Osmothèque, 8 rue Saint-Simon 78000 Versailles : conférences thématiques et ateliers pendant toute la durée de l’exposition

Cet automne, le Palais Galliera présente l’exposition « Un vestiaire à soi. Féminités dissidentes au 19e siècle » et met en lumière un phénomène encore largement méconnu : l’appropriation, par les… Pensée comme une réponse aux approches souvent normatives de la féminité dans les expositions de mode, Un vestiaire à soi. Féminités dissidentes au 19e siècle entend combler un manque important dans l’histoire de la mode. L’exposition dévoile comment l’adoption de plus en plus prononcée des codes du vestiaire masculin accompagne une volonté de transformation profonde de la place des femmes dans la société du 19e siècle, notamment en France et dans le monde anglo-saxon.

Riche de près de 500 œuvres, l’exposition présente de nombreuses pièces de mode et des accessoires emblématiques : costumes d’amazone, pantalons, costumes tailleurs, cravates, nœuds, hauts-de-forme… L’exposition révèle également un ensemble exceptionnel et jamais exposé jusqu’ici : la garde-robe de Rosa Bonheur, dévoilée dans son intégralité. Le parcours donne une place de choix à l'iconographie, avec une sélection de peintures, d’affiches de mode et 150 photographies amateur inédites, rassemblées pour l’occasion. Cette confrontation entre silhouettes et images offre une meilleure appréhension des significations culturelles et sociales des modes de l’époque, et souligne combien la masculinisation de la mode féminine questionne les binarités de genre qui structurent la société du 19e siècle.

L’exposition a pour ambition de renouveler le regard sur l’évolution de la mode féminine du 19e siècle. Des femmes portant le costume masculin aux modes du Paris artistique et lesbien de 1900, en passant par les femmes actives en tailleur et bottines, elle interroge l’impact des expressions dissidentes de la féminité et la manière dont elles ont contribué à redéfinir les garde-robes féminines de cette période. Le parcours fait dialoguer des figures historiques majeures, de Marie-Antoinette à Natalie Clifford Barney, de George Sand à Rosa Bonheur avec une multitude d’anonymes révélées par la photographie vernaculaire, invitant à s’identifier et à s’approprier cet héritage. Au-delà de son ancrage historique, l’exposition entre en résonance avec des enjeux contemporains et invite à une réflexion sur la place du vêtement et de la mode dans la transformation des identités et des rôles sociaux, au 19e comme au 21e siècle.

À l’occasion du bicentenaire de la photographie, le Hangar Y consacre une exposition à Brassaï, figure majeure de la photographie du XXe siècle. À l’occasion du bicentenaire de la photographie et dans le cadre du festival Photo Days, le Hangar Y consacre une exposition à Brassaï, figure majeure de la photographie du XXe siècle.
Cent photographies remarquables issues de la collection personnelle de son épouse Gilberte, conservées jusqu’à aujourd’hui dans le cercle familial, offrent un éclairage nouveau sur l’oeuvre de celui qui a fait de Paris, l’un des grands sujets de la photographie moderne.
Conçue en exclusivité pour le Hangar Y, cette exposition constitue une occasion privilégiée de découvrir un corpus exceptionnel qui ne sera présenté qu’un seule fois. Dans l’architecture singulière du Hangar Y, ce dialogue avec le Paris des années 1930 prend une dimension particulière, entre mémoire, modernité et voyage dans le temps.
Nous sommes très heureux de recevoir une exposition exceptionnelle de Brassaï au Hangar Y. Son regard a profondément renouvelé notre manière de voir Paris, en révélant ce qui échappe souvent au premier regard. — Jean-Michel Crovesi, directeur général du Hangar Y.
Commissaire de l’exposition : Philippe Ribeyrolles

Dans la lignée des expositions « Icônes de l’art moderne », consacrées aux grands collectionneurs tels que Sergueï Chtchoukine, les frères Mikhaïl Morozov et Ivan Morozov, ainsi que Samuel… Ce projet d’envergure investit l’ensemble des espaces de la Fondation Louis Vuitton selon un parcours en deux volets — Gustave Fayet collectionneur et Gustave Fayet, créateur — révélant la singularité d’un parcours où collection, création et engagement artistique se répondent. L’exposition dessine ainsi le portrait d’un acteur essentiel de la modernité au tournant du siècle et aujourd’hui injustement oublié.

L’exposition constitue un événement sans précédent. Elle réunit, d’une part, pour la première fois depuis un siècle, plus de 250 œuvres d’une collection extraordinaire, aujourd’hui dispersée dans le monde entier et, d’autre part, 325 créations de Gustave Fayet, pour la plupart jamais montrées au public et restaurées pour l’occasion.

Le parcours met en lumière un ensemble de 10 tableaux de Vincent van Gogh, 78 œuvres de Paul Gauguin, de 88 œuvres d’Odilon Redon, mais aussi de peintures et de pastels d’Edgar Degas, Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre-Auguste Renoir, Berthe Morisot, Paul Signac, Pierre Bonnard, Edouard Vuillard et Henri Matisse.

Fruit d’une enquête de plusieurs années, l’exposition bénéficie du soutien de 64 institutions internationales et 71 collections privées.

Cette exposition inédite, dévoile une personnalité de premier plan, peu à peu reléguée dans l’oubli : Gustave Fayet (1865-1925), collectionneur passionné, artiste mais aussi créateur fécond, fut un entrepreneur infatigable et exceptionnel, visionnaire dans le domaine des arts décoratifs. Derrière ce nom méconnu se cache en effet l’un des plus grands défenseurs et découvreurs de l’avant-garde de son temps, un homme qui contribua activement à faire émerger l’art moderne sous toutes ses formes. Gustave Fayet est en effet parmi les premiers à collectionner van Gogh, à exposer Picasso ou à constituer chez lui, en plein cœur de Paris, un « musée Gauguin », riche de près de 200 œuvres, où se pressent tous les artistes et grands collectionneurs de l’époque. Ami et amateur fervent de Redon, il lui offre l’occasion de réaliser un grand décor, resté secret, dans son abbaye du Midi de la France à Fontfroide.

Gustave Fayet n’est pas seulement un collectionneur d’exception qui a rassemblé plus de 740 œuvres majeures d’art moderne (hors estampes). Il fut aussi dans la deuxième partie de sa vie un créateur dont le succès marque les arts décoratifs du début du 20ème siècle. Peintre, aquarelliste, céramiste, décorateur, créateur de tapis, de tissus et de papiers peints, illustrateur de livres, il incarne cette génération pour laquelle l’art irrigue tous les aspects de la vie. Ses créations, diffusées dans les plus grandes galeries et importants salons de son époque, séduisent des figures aussi influentes que Paul Poiret, Jacques Doucet ou Jeanne Lanvin. De l’Art Nouveau à l’Art déco, Fayet participe pleinement à l’invention d’un nouvel art de vivre où beaux-arts et arts décoratifs fusionnent. Pour Gustave Fayet, collectionner et créer s’unissent dans un même élan.
Ce premier événement d’envergure internationale consacrée à cette figure singulière et pionnière à bien des égards, dévoile un univers foisonnant et ouvre un nouveau chapitre de l’art moderne et des arts décoratifs du début du 20ème siècle. Ce projet ambitieux rassemble au total 740 œuvres et documents répartis entre les deux volets de l’exposition.

Depuis sa création en 1934, le Studio Harcourt incarne l’élégance, la lumière et la mémoire photographique de la France. À l’occasion du bicentenaire de la photographie, le Studio souhaite proposer à… Depuis sa création en 1934, le Studio Harcourt incarne l’élégance, la lumière et la mémoire photographique de la France. À l’occasion du bicentenaire de la photographie, le Studio souhaite proposer une exposition exceptionnelle retraçant l’évolution de la société française de 1934 à nos jours, à travers ses portraits emblématiques et son iconographie unique. Cette exposition intitulée « L’album de famille de la société française » ambitionne de faire dialoguer près d’un siècle d’images, révélant la diversité, la continuité et la transformation du regard porté sur la France et ses visages.

Du lundi 2 novembre 2026 au dimanche 9 janvier 2028 Tous les jours de 9h30 à 19h30 À l’occasion de la parution de ses deux nouveaux livres, Vanecha Roudbaraki vous invite à une rencontre exceptionnelle entre peinture et littérature.

Exposition Violence silencieuse. Invitation à Roméo Mivekannin Exposition Violence silencieuse. Invitation à Roméo Mivekannin
Du 10 novembre 2026 au 4 avril 2027

Né à Bouaké (Côte d’Ivoire) en 1986, Roméo Mivekannin, artiste béninois, développe une œuvre qui interroge de manière critique l’histoire coloniale et les dispositifs de représentation des corps noirs en Europe. Vivant et travaillant aujourd’hui à Toulouse, il y a été exposé pour la première fois au FRAC Occitanie – Les Abattoirs à la fin des années 2010. Son travail, principalement pictural, associe peinture acrylique et élixir de boue brune appliqués sur drap de coton français. À partir de peintures et de photographies produites par les Européens, l’artiste revisite les modèles noirs et s’intègre régulièrement lui-même dans les scènes représentées par le biais de l’autoportrait.
L’exposition propose au public une traversée critique des exhibitions ethnographiques des XIXᵉ et XXᵉ siècles, appelées aussi aujourd’hui « zoos humains », durant lesquelles objets et personnes non européennes furent déplacés et privés de leur statut pour devenir des curiosités soumises au regard occidental. En prenant pour point d’ancrage Paris et ses lieux emblématiques, Roméo Mivekannin interroge à la fois l’héritage colonial des institutions muséales et la violence silencieuse contenue dans les images de ces mises en scène humaines.
Pour cette exposition, l’artiste conçoit un ensemble inédit composé de quatre sculptures en métal, quatorze peintures de grand format et une œuvre céramique. Les sculptures, réalisées par des forgerons ivoiriens à Abidjan à partir des instructions de l’artiste, prennent la forme de volières fermées, sans ouverture. Elles reproduisent, à l’échelle réduite, les bâtiments fondateurs du musée du quai Branly – Jacques Chirac et de ses institutions précédentes. Ce dispositif évoque l’enfermement symbolique et matériel inhérent à certaines pratiques muséales, invitant le visiteur à porter un regard critique sur l’histoire des lieux d’exposition eux-mêmes.
La séquence centrale du parcours est constituée de quatorze toiles associées à des photographies et plaques de verres originales issues des collections du musée du quai Branly – Jacques Chirac. Par l’autoportrait, l’artiste s’insère dans les scènes d’exhibitions ethnographiques du Champ-de-Mars, du Jardin d’Acclimatation ou des Folies Bergère.
Le dispositif scénographique engagera directement le public : les images originales ne se dévoilent qu’à la demande, dans un jeu de reflets où le visiteur se voit en train de regarder, devenant à son tour acteur du dispositif de vision et de mise en question.