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Vanities Gallery est heureuse de recevoir Reiner Heidorn « La Sêve du Silence »
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Exposition solo de Reiner Heidorn du 11 novembre au 9 décembre 2026_
Vanities Gallery, 17 rue Biscornet 75012 Paris_
Vernissage : mercredi 11 novembre à partir de 18h30_

Sept ans après Le Rêve du microscopique, présenté rue Popincourt au printemps 2019, Vanities Gallery accueille à nouveau le peintre bavarois Reiner Heidorn. Entre-temps, l’œuvre a changé d’échelle et de nature. Les paysages mentaux d’hier, sans arbre, sans ciel ni horizon, ont lâché leurs derniers points d’appui. La plante, la cellule, l’eau douce ne sont plus des motifs : ils sont devenus des forces. Ce qui reste, c’est le vert, et il occupe toute la toile.

Heidorn appelle sa méthode Dissolutio, « disparition ». Le mot dit tout de son projet : effacer la frontière entre l’homme et la nature, et effacer aussi celle qui sépare le peintre de sa peinture. Autodidacte, il travaille dans une ancienne halle d’usine près de Munich. Il pose les couleurs directement sur la toile, verse l’huile et l’essence, et laisse le temps faire son œuvre. Il ne corrige pas les bulles, les cratères et les coulures que produit la matière, il les garde. Il peint de mémoire, sans modèle ni photographie, même quand il s’attaque aux formes les plus précises de la biologie : neurones, mitoses, hydres. Des milliers de touches minuscules, une sorte de pointillisme microscopique, finissent par former de vastes champs de couleur où l’œil se perd comme dans une forêt après la pluie.

Le vert n’est pas ici un fond, c’est un sujet. L’historienne de l’art Sonja Lechner rapproche cette obsession du « vert sacré » de Hölderlin, ce vert originel d’où tout procède et où tout retourne. Chez Heidorn, il passe par toutes ses nuances : vert d’eau stagnante, vert de mousse et de roseau, vert presque noir des sous-bois, vert traversé de bleus et d’ocres. C’est la couleur de la chlorophylle, de la photosynthèse, du premier geste du vivant. C’est aussi la couleur qui nous manquera le plus.

Car cette peinture n’est pas décorative. Les titres récents le disent sans détour : Steppefire, Autumn fire, Fruit of wrath, A clear message. Le feu s’approche des prairies, la colère gagne les vergers. Heidorn assume une position nette contre la croissance sans limite et l’épuisement des ressources. Pourtant il ne fait pas de sermon. Ses toiles cherchent l’apaisement, une forme de repos psychique, et rappellent doucement que l’individu n’est qu’une part infime d’un tout qui le dépasse. L’ego du peintre s’efface, et celui du spectateur aussi.

En 2019, nous nous demandions si les âmes qui affleuraient dans ses toiles n’étaient pas Gaïa elle-même, nous invitant à prendre soin de la planète. En 2026, la question a pris une autre gravité. Face à ces grandes surfaces vertes qui semblent respirer, on ne contemple plus la nature de l’extérieur : on se tient à l’intérieur, comme dans une sève qui circule. Il reste à savoir combien de temps elle circulera encore.

Depuis son premier passage à Paris, Reiner Heidorn a exposé en Europe, en Amérique du Nord et en Asie : le Jardin botanique de Munich lui a consacré une grande exposition personnelle, il a participé au Giudecca Art District pendant la Biennale d’architecture de Venise et il a été montré à New York, Taipei et Vienne. La Sève du silence présente un ensemble d’huiles récentes, dont plusieurs grands formats, qui témoignent de ce passage décisif vers l’abstraction.

Bornéo, Java et les îles de notre archipel subissent la dévastation des incendies et des inondations. Nous, artistes indonésiens, unissons nos voix et nos créations pour soutenir Kalaweit. Fondée par Chanee, (www.kalaweit.org) achète des hectares de forêt pour créer des réserves inviolables et sauver la faune sauvage. Son engagement absolu nous inspire et nous invite à mobiliser tous ceux qui se sentent concernés par la préservation du vivant.
Par cette exposition, nous vous proposons un geste concret et accessible : acquérir une œuvre d’art unique qui a du sens, pour financer directement la sauvegarde de ces parcelles de vie. Chacun d'entre nous exprime cet attachement à notre terre avec sa propre sensibilité, ses émotions et ses pinceaux.
Merci à Putri et Andri qui nous ouvrent les murs du (https://www.instagram.com/lemaungcoffee/?hl=fr) pour mener ce combat, ainsi qu'à (https://www.instagram.com/seni7plus/) pour son soutien indéfectible à notre travail et notre archipel.
(https://kalaweit.org/faire-un-don/)
Artistes engagés pour ce projet : Dandy Diwangkara, Desi Djoehana, Fatkur Rokhim, Gavrila Pranata, Mamoiselle, Raexsyaf Arrahman, Sakul Kid, Sheilasplayground, Ysh

Commissaires d'exposition : Line Gigs & Fanny Testas - Cycle Amitiés Amours Affinités - 2026 S'Engager
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Vernissage le mardi 22 septembre 2026 de 18h à 21h

Exposition du mercredi 23 septembre au samedi 12 décembre 2026

Commissaires en résidence : Line Gigs & Fanny Testas
Artistes présentées : Irene Abello, Dominique Mathieu, Joshua Merchan Rodriguez, Shivay la Multiple, Marine Prunier, Rozy Tergemina Sapelkine, Annie Sprinkle et Beth Stephens
Résidence de création numérique : H·Alix Sanyas
Dispositif scénographique : Dominique Mathieu
Graphisme : Studio Kiösk

S’engager déplace la notion d’affinité ailleurs. Il s’agit de montrer les attachements matériels, vivants et non humains qui composent nos existences. La question n’est pas de « célébrer le vivant » mais de travailler les relations invisibles et asymétriques qui composent nos vies.

Les artistes réuni·e·x·s dans cette exposition travaillent à rebours d’un imaginaire moderne qui réduit le monde à un ensemble de ressources disponibles. Iels aiguisent notre attention à la vitalité des êtres, des matières et des dispositifs qui nous entourent.

Les œuvres dessinent ces attachements, elles défont l’évidence des partages entre sujet et objet, sans personnifier les non-humain·e·x·s ni effacer les rapports de pouvoir qui structurent ces relations.

La Cité internationale des arts présente l'installation « p. 39 » de Nina Wakeford, du 20 octobre au 16 décembre 2026 dans la Vitrine. Nina Wakeford utilise la performance, l’installation et l’image en mouvement pour aborder les combats non résolus des mouvements sociaux du passé, ainsi que les défis déclenchés par leur réactivation. Son inspiration lui vient d’archives historiques, mais aussi de ses amies, de ses amantes et de leurs obsessions.

Dans ce projet, son point de départ a été le décès d’une amie, Anna Livia Brawn, et un livre oublié. Anna avait traduit en anglais un roman de 1930 écrit par une autrice parisienne ouvertement lesbienne, Lucie Delarus-Mardrus. Dans ce roman, le personnage principal vit à la fois en tant qu’homme et femme. L’autrice y intègre des caricatures de « célébrités » lesbiennes bourgeoises, dont certaines étaient connues pour partager des moments intimes lors de leurs promenades à cheval dans le Bois de Boulogne. Pourtant, l’autrice est morte presque sans le sou, après s’être aliénée sa famille et ses amis en refusant de mettre fin à sa relation avec une chanteuse de music-hall à l’accent « parigot » de la classe ouvrière et au « langage vulgaire ». Après avoir enfin déniché une première édition du roman à la Librairie Vignes à Paris, Nina a eu le sentiment de renouer avec Anna.

En réponse aux enjeux de réinterpréter et de raconter des moments de rencontres furtives entre femmes et dans un élan bibliophile, Nina met en relation un assemblage de matériaux récemment collectés, chantés, parlés, mis en scène.

Nina Wakeford (Royaume-Uni) est en résidence par le biais du programme 2–12

Site du Marais → Vitrine
Cité internationale des arts

Une exposition originale sur les scientifiques face à la crise environnementale Recherche et crise environnementale font-elles bon ménage ? Des paroles de scientifiques qui ne sont pas toujours d’accord, recueillies par la designeuse Lou-Andreas Étienne et illustrées par l’illustratrice Camille Debard.

La Saison Cabaret initiée et soutenue par le ministère de la Culture s’inscrit pleinement dans la dynamique de renforcement de la visibilité et de la connaissance de ce secteur impulsée en 2025 dans le cadre du Plan cabaret. Elle se déploie en fédérant des acteurs culturels publics et privés à travers
diverses manifestations du 18 septembre au 18 décembre 2026 dans l’ensemble du territoire métropolitain et en Martinique, Guadeloupe et Guyane.
L’objectif de la Saison Cabaret est avant tout de visibiliser les cabarets et leurs multiples projets mais également de montrer sa richesse et sa diversité, ainsi que de développer un regard sur ses évolutions et son histoire à travers une programmation diverse, ouverte et conviviale portée par de très nombreuses structures culturelles. Les fils rouges de la Saison Cabaret sont : le cancan, les créatures / personnages de cabaret, les ambassadeurs et ambassadrices de la Saison Cabaret. Ils prennent appui sur les fondamentaux du Plan Cabaret porté par le ministère de la Culture s’articulant autour des enjeux de soutien à la création, de valorisation du patrimoine et de renforcement de la connaissance du cabaret dans ses multiples formes.
Dans le cadre de la Saison Cabaret, l’exposition photographique Cabaret(s) – Histoire d’une transmission vivante propose un parcours entre archives et créations contemporaines, entre mémoire et regard d’aujourd’hui, pour raconter un art en perpétuelle évolution. Des grandes revues aux scènes actuelles, elle explore ce
qui se transmet — gestes, savoir-faire, spectacles, personnages et imaginaires — et la manière dont chaque génération s’en empare pour faire vivre, transformer et réinventer le cabaret à travers les territoires.

Le Jardin des Serres d'Auteuil à Paris est un lieu idéal en automne pour admirer les floraisons tardives et observer la tourbière. Les points forts du jardin en automne

- La tourbière : L'automne est la période idéale pour l'observer et y découvrir des écosystèmes spécifiques.
- Les serres historiques : Un chef-d'œuvre architectural de la fin du XIXe siècle (1898) peint en bleu turquoise.
- La collection tropicale : Le grand palmarium et les serres chaudes offrent un dépaysement total à l'abri de la fraîcheur extérieure.
- L'ambiance : Moins fréquenté qu'en été, le jardin offre une atmosphère calme, parfaite pour une balade reposante au milieu d'arbres remarquables.

Ce qu'il faut savoir pour votre visite

- Adresse : 3 avenue de la Porte d'Auteuil, 75016 Paris (en lisière du bois de Boulogne).
- Tarif : Entrée 100 % gratuite pour tous.
- Horaires des serres : Du lundi au vendredi de 8h à 16h ; le samedi et le dimanche de 9h à 16h45 (le parc ferme un peu plus tard).

« Lancel, Toujours » - 150 Ans D'Histoire à Porté de Main. Une exposition anniversaire, comme un voyage dans le temps. Une Exposition Comme un Voyage Dans le Temps

Radio Bambino, sacs à malice, parapluie, Ninon, Charlie, étuis à cigarettes, malle Aviona des premières soutes d’avion, valises nylon des voyages plus courts et légers…, en 150 années, les jolies choses de Lancel sont bien plus qu’une formidable collection française. Elles sont les témoins de notre grande Histoire, dévoilés pour la première fois avec « Lancel, Toujours » , une exposition anniversaire présentée du 4 juin au 23 décembre 2026, au 8 place de l’Opéra, dans la boutique historique de la Maison.

Ouverte à tous, l’exposition invite le visiteur-voyageur dans une véritable odyssée débutée au bas du grand escalier devenu machine à remonter le temps. Une passionnante échappée débouchant sur l’atelier originel des fondateurs, puis un cabinet de curiosités où chaque objet, véritable Madeleine de Proust, nous catapulte dans l’histoire de nos voyages devenue celle de nos vies.

Pierre et Gilles célèbrent 50 ans de collaboration artistique avec « rose pour toi, rose pour moi », une exposition d’une vingtaine de portraits réalisés ces deux dernières années. À cette occasion… Rencontrés en 1976, le photographe Pierre Commoy et le peintre Gilles Blanchard forment un couple dans la vie comme dans l’art. Ils inventent très vite un langage artistique commun, unique en son genre : la photographie et la peinture fusionnent sur une même toile, créant des portraits symboliques et idéalisés. Ce geste de peinture, qui confère aux images éclat et couleurs saturées à la façon des toutes premières retouches photographiques où la couleur était appliquée à la main, fait de chaque portrait une pièce unique. Chaque œuvre naît d’une longue mise en scène ; décors, costumes, accessoires et lumières sont conçus et fabriqués à la main dans l’atelier des artistes en région parisienne. Le studio devient ainsi théâtre où le décor porte l’histoire de son modèle, parfois célèbre, souvent anonyme ou proche des artistes, mais toujours sublimé.

Avec « rose pour toi, rose pour moi », Pierre et Gilles poursuivent leur exploration de la fabrication des icônes contemporaines. Figures sacrées, stars, créatures pop, personnages de fiction ou proches des artistes se rencontrent dans un univers où le réel bascule vers le rêve.

« L’objectif de Pierre et Gilles n’est pas d’imposer une vision étroite des choses, mais d’interroger la société à partir des fantasmes qui y circulent. Leur travail se fonde sur la réalité, mais il l’approche par le rêve, dont Freud disait qu’il procède par condensation et par déplacement – la photographie, avec eux, devient un processus psychique \[1\]. »

Stylistes, DJs, acteurs, drag queens, mannequins et amis des artistes y côtoient les figures de l’iconographie du sacré, de l’imagerie marine, de l’onirisme, du baroque. L’exposition rend visible toute l’étendue de leur univers, de la dévotion populaire à la pop culture, où le public pourra découvrir des œuvres inédites telles que Lady Macbeth (Camille Cottin), 2026, Maria Magdalena (Lolly Wish), 2026, L’Étoile noire (Ebony Osaz), 2026, Saint Carlo Acutis (Martin Tournebize), 2026 ou encore Vive moi – Hommage à Renaud (Renan Prevot), 2025.

La monographie publiée aux éditions Insight réunit pour la première fois les oeuvres de Pierre et Gilles selon une classification thématique. Introduit par un texte de Laura-Ève Lambert, chaque ensemble est enrichi d’écrits de personnalités comme Edouard Louis, Sylvie Vartan, ou encore Amanda Lear, ainsi que d’anecdotes de celles et ceux qui sont passées devant leur objectif.

Retracez l'histoire de la ville de Bussy, du petit village de 500 habitants, à la ville nouvelle que nous connaissons aujourd’hui.

Du jeudi 12 novembre au jeudi 31 décembre 2026 Le dimanche de 11h à 21h30, Le samedi de 10h à 23h, Le vendredi de 11h à 23h et Du lundi au jeudi de 11h à 21h Cet évènement fait partie de Marchés de Noël 2026 : le calendrier complet

La revue Cahiers d’Art, fondée en 1926, est étroitement liée à l’œuvre de Pablo Picasso, à laquelle elle consacre, jusqu’à la fin des années 1950, plusieurs dizaines d’articles. Sous l’impulsion de son fondateur, Christian Zervos, Cahiers d’Art joue un rôle crucial dans la diffusion de l’œuvre de l’artiste, qu’elle associe à celle de ses contemporains, à des œuvres archaïques et extra-européennes ou à des vues d’architectures modernes.

Karen Knorr au musée Delacroix Karen Knorr au musée Delacroix

Dans le cadre du festival PhotoSaintGermain, le musée Delacroix expose le travail de Karen Knorr, artiste américano-britannique née en Allemagne, avec une sélection d’une de ses séries les plus connues « India Song ».
Ses photographies dialoguent avec « Delacroix, chevaux et autres animaux » : inspirée par les animaux que peignait Delacroix, Karen Knorr peuple l’appartement de fauves, de chevaux et de paons.
Ses images sont réalisées à partir de prises de vue d’architectures, photographiées à la chambre et au numérique, dans lesquelles s’intègrent des sujets vivants observés en réserve, dans un zoo ou en liberté, brouillant ainsi les frontières du réel.
En mêlant ces figures animales à des lieux chargés de mémoire, les œuvres d’Eugène Delacroix et de Karen Knorr proposent ensemble de belles rencontres imaginaires.
Cette exposition se déroule dans le cadre du festival PhotoSaintGermain. Organisé au cœur de Paris, dans le quartier emblématique de Saint‐Germain‐des‐Prés, PhotoSaintGermain est un festival annuel destiné à promouvoir la création photographique.
PhotoSaintGermain offre un parcours gratuit et libre d’accès d’expositions dans une sélection de musées, centres culturels, galeries et librairies de la rive gauche. Ce parcours met en lumière une programmation pointue et éclectique conçue par les galeries associées, ainsi que plusieurs expositions originales et projets inédits imaginés et produits par le festival.

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente Florian Krewer : woven thin* , première exposition personnelle de l’artiste en France. Organisée suite au don de plusieurs œuvres de l'artiste au musée,… La pratique de Krewer est profondément autobiographique, nourrie par une confrontation directe avec le monde qui l’entoure, dans toute sa beauté brute comme dans sa violence. Puisant à la fois dans son expérience vécue et dans son imaginaire, la galerie de personnages qui peuple ses paysages et intérieurs éthérés est dépouillée de tout contexte et semble mener une existence autonome. Danseurs, performeurs, animaux et figures solitaires traversent des paysages urbains en mutation. Ils apparaissent détachés, comme libérés de la gravité du monde physique et de ses contraintes sociales. Dans cet univers en apesanteur, les peintures de Krewer célèbrent des moments d’intimité et une résilience collective au milieu d’un environnement le plus souvent hostile. Au Musée d'Art Moderne de Paris, sont exposées seize toiles monumentales récentes, dont certaines inédites. Accrochées de manière resserrées, elles produisent un panorama pictural dense qui reflète l'intensité de la pratique de l'artiste.

Florian Krewer (né en 1986 à Gerolstein, Allemagne) a étudié la peinture à la Kunstakademie de Düsseldorf. Parmi ses expositions institutionnelles récentes figurent Nice Dog, M Woods Museum, Pékin (2023) ; everybody rise, Aspen Art Museum (2023) ; et Es liebt Dich und Deine Körperlichkeit ein Verwirrter, Kunsthalle Düsseldorf (2022). Ses œuvres sont présentes dans les collections du Musée d’Art Moderne de Paris ; du Musée national d'art moderne - Centre Georges Pompidou, Paris ; du Metropolitan Museum of Art, New York ; du Hammer Museum, Los Angeles ; du Los Angeles County Museum of Art ; et de l’Albertina Museum, Vienne. En 2022, Krewer a reçu le Prix Jean-François Prat du fonds de dotation Bredin Prat. Il vit et travaille dans le South Bronx, à New York.

L’exposition sera accompagnée d’un catalogue publié par la galerie VeneKlasen, dont la parution est prévue en octobre 2026.

Avec le soutien de Arif et Dianne Suherman et de The Kiki Collection.

\Finement tissé

Jean-François Bauret (1932-2014) est l’un des photographes français les plus connus de sa génération. Il est principalement passé à la postérité pour ses nus et son travail pour la publicité. Dans… À ses débuts, à partir de 1959, il a également photographié de nombreux artistes, célèbres ou encore inconnus du grand public, chez eux ou dans leur atelier. Il immortalise ainsi des moments d’intimité avec le même sens de la composition et la même volonté de montrer « l’individu tel qu’il est ».

Certains portraits traduisent des recherches formelles plus affirmées, comme dans la série consacrée à la peintre Geneviève Asse, tandis que, dans d’autres, ce sont les pinceaux ou les palettes qui se substituent à l’artiste et l’incarnent. Les portraits présentés dans cette salle montrent tous des artistes dont au moins une œuvre est conservée dans les collections du musée d’Art Moderne de Paris.

Le travail de Jean-François Bauret a été présenté pour la première fois au musée d’Art Moderne de Paris en 1971 lors d'une exposition monographique organisée par la section de l’ARC (Animation – Recherche – Confrontation).

L’accrochage actuel fait suite au généreux don au musée par Madame Claude Bauret Allard, en 2017, de 80 tirages.

La trajectoire artistique singulière de Mariella Simoni (née en 1948) revisite les articulations entre art conceptuel et abstraction, entre poésie et matière. Originaire de la région du lac de Garde… Son passage à la peinture en 1982 peut être perçu comme le prolongement dans l’espace pictural de ces questionnements. La matière conserve dans ses tableaux cette même vivacité. La trace des gestes de l’artiste, la sédimentation des couches de peinture, témoignent de la temporalité parfois longue de leur conception. Elle s’installe à Vienne à cette époque et se lie avec plusieurs artistes qui partagent ses préoccupations, comme Herbert Brandl, Otto Zitko, proches des Junge Wilde, ou Franz West. Elle participe à plusieurs expositions organisées dans la galerie de Peter Pakesch, puis est invitée à exposer à la Documenta IX, manifestation internationale d’art contemporain, à Kassel, en 1992.

Artiste en mouvement, l’œuvre de Mariella Simoni évolue au fil des villes où elle séjourne : Athènes, Paris, Gand, New York… Elle se tourne occasionnellement vers la sculpture ou l’installation. Les variations de formats, de supports, de dominantes de couleurs, de contrastes, viennent constamment remettre en jeu sa pratique, comme le montrent ses récentes productions, qui manifestent une plus grande économie dans l’usage des matières, et un autre rapport au relief. La présentation de cet ensemble d’œuvres nouvellement acquises auprès de l’artiste et de Peter Pakesch témoigne de l’intensité de cette recherche artistique.

Jardin des Tuileries Place de la Concorde / Rue de Rivoli, Paris 1e Du samedi 14 novembre 2026 au dimanche 3 janvier 2027 Tous les jours de 11h à 23h45

Cette année, pour le Mois de l'Imaginaire, les participants sont invités à laisser libre cours à leur imagination pour créer des récits sur le thème "Et si les rêves d’enfance devenaient réalité : chaos ou féérie ?"

L’exposition collective Aux frontières de l’Imaginaire réunit sept artistes contemporains autour d’un même thème : la faune et la flore. Sous le commissariat de Marie Deparis-Yafil, installations,… 14 Octobre 2026 - 9 Janvier 202

tom Lellouche I Marguerite LI-Garrigue I Chris Morin-Eitner I Neoconsortium I Shivay la Multiple I Manon Touhami I Alexis Tricoire

Commissariat I Marie Deparis-Yafil

L’exposition collective Aux Frontières de l’Imaginaire, réunissant sept artistes contemporains, investit le Pavillon Vendôme de Clichy du 14 octobre 2026 au 9 janvier 2027.

Sous le commissariat de Marie Deparis-Yafil, un parcours d’installations, photographies, dessins, fresque, sculptures et peintures s’est dessiné sous le thème de la faune et la flore. L'exposition invite à un parcours, à un voyage, à la rencontre d'univers dans lesquels la nature se fait onirique, fantastique.


Shuvay ; Crédits : ©Shivay La Multiple

Pensée pour tous les publics, l’exposition Aux frontières de l’Imaginaire_ propose une expérience accessible et sensible, où chacun peut découvrir les œuvres à son rythme et laisser libre cours à sa propre interprétation. Petits et grands sont invités à observer, questionner et imaginer, à travers un parcours qui réinvente notre regard sur la nature.

À propos des artistes

7 artistes pour 7 univers explorant chacun à leur manière une nature réinventée,

- Marguerite Li-Garrigue développe des univers oniriques peuplés de créatures en mutation, où la métamorphose des insectes occupe une place centrale.
- Alexis Tricoire, designer végétal, propose un changement de perspective sur la nature qui interroge notre capacité à nous adapter au changement climatique.
- Tom Lellouche crée des sculptures interactives mêlant organique et nouvelles technologies, invitant le visiteur à réfléchir à son rapport au vivant.

- NeoConsortium, multinationale fictive imaginée par des artistes, designers et ingénieurs, présente son Laboratoire d’Agroesthétique, prolongeant sa réflexion entre fiction, art et industrie.

- Manon Touhami explore, à travers une peinture symbolique et onirique, les liens entre l’humain, la nature et les transformations intérieures.

- Chris Morin Eitner compose des photographies et tissus imprimés où végétation, animaux et architecture dialoguent, offrant une vision poétique d’une nature qui reprend ses droits.

- Shivay la Multiple mêle mémoire, métamorphose et lumière dans une œuvre contemporaine où broderies de sequins et fleurs en verre évoquent les paysages, les corps et les transformations, inspirés des grands fleuves du monde.

Autour de l'exposition

Toutes les activités de la programmation se déroulent au Pavillon Vendôme, 2 rue du guichet 92110 Clichy. Elles sont gratuites, sur inscription à l’accueil du Pavillon Vendôme, par téléphone au 01 47 15 31 61 ou par mail [pavillon.vendome@ville-clichy.fr](mailto:pavillon.vendome@ville-clichy.fr). Les enfants de -15 ans doivent être accompagnés par un adulte.

- Samedi 17 octobre à 10h et 14h
Visite guidée de l’exposition par le chargé de médiation culturelle
Durée : 2 heures
Âge : à partir de 6 ans
- Mercredi 28 octobre à 14h30
Atelier « Mon Jardin Imaginaire » avec Manon Touhami
Imagine ton propre paysage végétal imaginaire comme reflet de ton monde intérieur (dessin, collage, peinture).
Durée : 2 heuresÂge : à partir de 6 ans
- Mercredi 4 novembre à 14h30
Créer une plante imaginaire avec Manon Touhami
Dans cet atelier, invente une plante fantastique sur papier (feutres, crayons, encres).
Durée : 2 heuresÂge : à partir de 6 ans
- Samedi 7 novembre à 14h30
Visite guidée de l’exposition Aux Frontières de l’Imaginaire
Durée : 1 heure
Âge : à partir de 8 ans
- Samedi 21 novembre à 10h
Visite guidée de l’exposition par la commissaire d'exposition Marie Deparis-Yafil
Durée : 2 heures
Âge : à partir de 8 ans

16h00 - 17h30
Performance : visite guidée d’une multinationale…

Le Musée des Arts et Métiers accueille sur son parvis du 17 décembre 2025 au 10 janvier 2027 le cheval métallique Zeus, œuvre monumentale qui a marqué les esprits lors de la cérémonie d’ouverture… Après sa traversée de la Seine sur un trimaran lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques et sa pérégrination dans des lieux emblématiques comme Versailles, le Mont Saint-Michel ou le Mucem, Zeus s'installe sur le parvis du MuAM et s'offre à tous jusqu'en janvier 2027.

Sous l'impulsion du metteur en scène Thomas Jolly, imaginé et réalisé par (https://bl-am.fr/fr/accueil/), Zeus_ est bien plus qu’une sculpture : c’est un manifeste de l’excellence française, un symbole de maîtrise technique et de poésie mécanique.

Laissez-vous émerveiller par cette prouesse artistique, devenue symbole de beauté, d'ingéniosité et d’innovation.

- Du mercredi 17 décembre 2025 au dimanche 10 janvier 2027
- En accès libre, sur le parvis du musée

Vingt ans après leur première rencontre avec Détroit, Yves Marchand et Romain Meffre reviennent là où tout a commencé. Cette fois, la question n’est plus de savoir ce que cet ancien bastion industriel a perdu, mais de regarder ce qu’il est devenu. Pour accompagner la sortie de leur nouveau livre chez Albin Michel, la galerie Polka revient sur ce travail qui a marqué le début de leur aventure photographique.

Lita Cerqueira — La photographie telle que je suis Lita Cerqueira — La photographie telle que je suis
En 2009, la Pinacothèque de São Paulo consacrait une importante rétrospective à l’œuvre de Lita Cerqueira, intitulée La photographie telle que je suis. Cette exposition, qui retraçait plusieurs décennies de production photographique, fut ensuite accueillie par plusieurs institutions majeures au Brésil, où elle connut un succès public remarquable.
En 2012, la galerie Ricardo Fernandes présentait cette même exposition pour la première fois en Europe, offrant au public français un accès inédit à l’une des voix majeures de la photographie afro‑brésilienne contemporaine.
Quinze ans plus tard, présenter à nouveau cette exposition constitue un moment significatif : cette nouvelle mise en lumière permet de revisiter une œuvre dont la portée historique, sociale et esthétique n’a cessé de s’affirmer.
Depuis les années 1960 et 1970, Lita Cerqueira développe une pratique photographique centrée sur la représentation des communautés afro‑brésiliennes, de leurs gestes, de leurs rituels, de leurs expressions quotidiennes et de leurs dynamiques culturelles. Son travail se distingue par une approche humaniste, attentive à la dignité des sujets et à la profondeur des contextes qu’elle documente. À travers un usage maîtrisé du noir et blanc, elle confère à ses images une intensité narrative qui dépasse la simple observation ethnographique pour atteindre une dimension poétique et mémorielle.
Les photographies réunies dans La photographie telle que je suis constituent un ensemble de grande valeur documentaire et artistique. Elles témoignent de la richesse du métissage brésilien, de la vitalité des traditions populaires, et de la présence déterminante des cultures afro‑descendantes dans la construction identitaire du pays. Elles portent aussi, avec une grande délicatesse, la mémoire d’une force silencieuse : celle qui traverse les corps, les gestes et les regards, et qui dit la capacité des communautés à préserver, transmettre et réinventer leurs héritages malgré les épreuves de l’histoire.
La présentation de cette exposition en 2026 s’inscrit dans une démarche de valorisation patrimoniale et de transmission. Elle permet de recontextualiser l’œuvre de Lita Cerqueira dans un cadre contemporain, en soulignant son importance dans les débats actuels autour de la mémoire, de la représentation, de la diversité culturelle et de la visibilité des artistes afro‑descendants. Elle offre également l’occasion de rendre hommage à une photographe dont la contribution à l’histoire visuelle du Brésil demeure essentielle.
Présenter à nouveau cette exposition à Paris constitue ainsi un geste institutionnel fort : il s’agit de réaffirmer la place de Lita Cerqueira dans le champ de la photographie internationale, de reconnaître la portée historique de son œuvre, et de permettre au public de redécouvrir un corpus d’images dont la puissance expressive, la valeur documentaire et la profondeur humaine demeurent intactes.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

La galerie Arts d’Australie • Stéphane Jacob présente Gw bot | Glyphmaker — La métamorphose des signes, une exposition monographique consacrée à l’artiste australienne GW Bot, du 15 octobre 2026 au… Née en 1954 à Quetta, au Pakistan, de parents australiens, GW Bot est une artiste australienne dont l’oeuvre explore les liens entre l’être humain, le paysage et le monde intérieur. Son enfance passée dans plusieurs pays nourrit très tôt son intérêt pour les cultures et les territoires. Elle étudie l’art à Londres, Paris et en Australie, et obtient en 1982 son diplôme de l’Australian National University de Canberra. Depuis1985, elle se consacre pleinement à sa pratique artistique. Installée à Canberra, au coeur d’un environnement qui devient la source majeure de son inspiration, elle adopte le wombat comme animal totémique, en référence à la relation d’unité entre l’être humain et son environnement présente dans certaines traditions aborigènes. Elle forge son nom d’artiste à partir de l’une des premières appellations écrites du wombat dans une source française : « le Grand Wam Bot ».

Avant-propos de l'exposition

À travers ses œuvres, GW Bot développe un langage visuel singulier fondé sur les « glyphes », des signes qu’elle invente et transforme au contact des paysages australiens. Un glyphe est un signe graphique qui porte en lui une forme et une signification. À mi-chemin entre formes végétales, animales et humaines, ces signes constituent un alphabet ouvert, dont le sens reste volontairement mystérieux.

L’artiste ne cherche pas à représenter la nature de manière réaliste. Elle en traduit plutôt les rythmes, les forces et les transformations. Forêts, prairies, falaises, terres brûlées ou paysages arides deviennent ainsi les sources d’une écriture personnelle.

Son univers s’est également construit au fil de nombreux voyages en Europe et au Moyen-Orient. L’art byzantin, les sculptures d’Aghtamar, les motifs des tapis orientaux ou encore La Dame à la licorne ont nourri son imaginaire et enrichi son vocabulaire de formes et de symboles. La littérature et la poésie, notamment l’œuvre d’Alexandre Pouchkine, accompagnent également sa réflexion sur la création et sur la figure du poète.

Peu à peu, son travail s’est orienté vers le thème du jardin. Celui-ci devient un espace à la fois extérieur et intérieur, où se rencontrent la nature, l’intime et la spiritualité. En s’inspirant notamment de la tradition de l’hortus conclusus et des représentations religieuses, GW Bot fait du jardin un lieu de contemplation et de passage entre le visible et l’invisible. Cette attention portée au jardin peut, par certains aspects, évoquer celle de Bonnard, pour qui cet espace devient également un territoire sensible et pictural.

Toutes ces influences se mêlent dans une œuvre profondément ancrée dans le territoire australien et attentive à sa fragilité. Le feu, la sécheresse, la disparition et la renaissance deviennent les expressions des cycles qui traversent le monde vivant.

Le « soleil noir », motif récurrent dans son œuvre, introduit une dimension à la fois cosmique et symbolique. Il évoque les relations entre obscurité et lumière, disparition et renaissance, et accompagne l’idée de transformation.

Linogravure, pigments, graphite, découpes et tapa participent à cette écriture visuelle faite d’empreintes, de superpositions et de transparences. Le choix du papier occupe lui aussi une place essentielle dans son processus de création. GW Bot le considère comme un véritable « sol » : sa texture, sa densité et sa capacité à recevoir l’image influencent directement le résultat. Chaque papier possède ainsi ses qualités propres et, comme un sol, peut accueillir certaines formes et en transformer d’autres.

L’œuvre de GW Bot compose ainsi une véritable cartographie poétique, dans laquelle le paysage, la mémoire, la spiritualité et le langage se rencontrent et se transforment sans cesse.

À l’occasion d’un don exceptionnel de plus de 700 originaux réalisé en 2025, la Bibliothèque nationale de France met à l’honneur l’œuvre d’Agnès Rosenstiehl, autrice-illustratrice prolifique et créatrice notamment de la cultissime « Mimi Cracra ». Présentée en galerie des Donateurs, l’exposition retrace le parcours d’Agnès Rosenstiehl, dont l’inventivité, la liberté et l’attention portée à l’enfance ont révolutionné le monde de l’édition pour la jeunesse et continuent d’inspirer lecteurs, auteurs et illustrateurs.

Le Petit Palais invite Prune Nourry à investir l’ensemble du musée pour mettre en lumière, dans son exposition « Visionnaires », des femmes sculptrices méconnues ou oubliées par l’Histoire de l’art. À la demande de l’artiste, trois historiennes de l’art ont mené des recherches pendant un an afin de rassembler les écrits et les portraits photographiques de dix-huit sculptrices de la fin du XIXe et du début du XXe. Parmi elles, figurent Käthe Kollwitz, Nancy Elizabeth Prophet, Hélène Bertaux, Jane Poupelet, Consuelo de SaintExupéry, Selma Hortense Burke, Daria Gamsaragan ou encore Sarah Bernhardt. Inspirée par la qualité artistique de leurs œuvres et la force de leur engagement, Prune Nourry a sculpté le portrait de ces dix-huit femmes « visionnaires ». Prune Nourry rend ainsi visible la place des femmes comme créatrices.

L’exposition se déploie dans l’ensemble des collections du Petit Palais, de l’esplanade extérieure du musée jusque dans le jardin.

Sur le parvis, Mothership_, figure hybride entre une femme enceinte et la coque d’un bateau en métal rouillé, introduit l’exposition. De la galerie des sculptures au Pavillon nord, les dix-huit nouveaux portraits créés pour le Petit Palais ravivent la mémoire de sculptrices du passé. Prune Nourry prolonge le parcours en faisant dialoguer en regard des collections permanentes, une vingtaine de ses œuvres précédentes, des Holy Daughters_ aux Vénus_.

À la manière d’un jeu de piste, les visiteurs partent à la découverte des yeux en marbre blanc aux pupilles noires incrustés dans les bustes en plâtre de Prune Nourry comme dans les socles des œuvres du Petit Palais, créant un dialogue visuel entre les deux. Ces yeux de pierre, inspirés de la statuaire polychrome du Petit Palais, invitent à un regard croisé sur les différentes époques présentes dans le musée, de l’antiquité à nos jours.

L’artiste choisit le plâtre, comme matériau principal, en écho à la collection du musée dont près de 70% des sculptures sont des “plâtres d’atelier”. Ces tirages n’étaient pas destinés aux musées et pourtant, ils ont traversé le temps là où les versions en bronze ont été détruites. Prune Nourry joue également avec l’échelle : ses nouveaux bustes s’échelonnent de 70 cm à 3,50 m de hauteur, tandis que ses œuvres antérieures vont de 20 cm à 27 m de longueur, faisant de l’exposition un espace où le corps féminin se déploie dans toutes ses dimensions.

Dans le monde de l’art, les femmes ont longtemps été cantonnées à des rôles de modèles ou de muses, réduites à des corps scrutés par un regard masculin. Leur disparition des récits institutionnels et de la sculpture en particulier, ne tient pas à une absence d’œuvres mais à un effacement structurel. Freinées par les normes sociales et un accès limité à la formation, elles ont dû s’imposer dans un milieu dominé par des figures masculines. La collection du Petit Palais en porte la trace : omniprésentes comme sujets, corps modèles, idéalisés, allégorisés, les femmes y demeurent largement absentes comme créatrices. Sur l’ensemble des œuvres de la collection, à peine 4 % ont été réalisées par des artistes, dont seulement 4 sculptrices représentées. L’exposition est l’occasion de valoriser leurs œuvres en regard de leurs portraits.

Les sculptrices de la fin du XIXe et du début du XXe siècle constituent ainsi une génération pionnière. Visionnaires, elles ouvrent la voie. Pourtant, malgré l’essor de la photographie, leurs visages demeurent difficiles à se représenter. Prune Nourry s’inscrit dans cette généalogie vivante. Elle prolonge l’héritage de ces sculptrices en leur redonnant visibilité et affirme, par sa pratique comme par sa démarche de transmission, son engagement en faveur de la reconnaissance des femmes dans l’histoire de la sculpture.

Mélanie Challe, La lumière à l'envers Mélanie Challe, La lumière à l'envers
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Du 4 novembre 2026 au 30 janvier 2027, la médiathèque André Malraux de Maisons-Alfort ouvre ses portes à l’univers de Mélanie Challe et dévoile, pour la première fois, sa nouvelle série de photographies consacrée aux bords de Marne, ce fleuve familier qui scande les jours et les saisons des habitants de Maisons-Alfort et du Val-de-Marne. Dans ces images, l’eau, la lumière et les arbres deviennent les voix d’un récit silencieux, un itinéraire poétique où le regard se laisse porter par la douceur du paysage et la vibration du vivant.
En écho à cette création inédite, l’artiste présente également un ensemble de photographies réalisées à Maisons-Alfort et en Île-de-France, choisies parmi ses séries antérieures, dont Chemin de vie_ et Inflorescences_. Près de quarante œuvres composent ainsi un parcours sensible et attentif au territoire, où la nature, saisie au fil des saisons, révèle ses métamorphoses les plus subtiles.

Remercier le paysage

Cette exposition accompagne la parution du livre La lumière à l’envers_, paru en 2025 aux éditions Zinzinule, dans lequel les photographies de l'artiste trouvent un contrepoint vibrant dans les poèmes d’Anne Barousse. Dans cet ouvrage, la photographe a souhaité rendre hommage à ses promenades d’enfance sur les bords de Marne. « C’est une manière de remercier ces paysages qui nourrissent mon émerveillement depuis toujours », explique Mélanie Challe. Arbres, lumière, ciel et reflets sur l’eau composent cette ode à la lenteur et à l’observation, mettant en lumière des paysages accessibles à tous les habitants des bords de Marne. « Je suis allée sur place plusieurs fois sans photographier, afin de vivre l’instant avant de retranscrire mes sensations. »

Nature et corps en mouvement

Photographe et peintre, Mélanie Challe est diplômée du master Artenact, une formation transdisciplinaire mêlant pratique artistique, action pédagogique et neurosciences. Deux axes principaux se dégagent de son œuvre : la nature et le corps en mouvement. Elle puise dans son quotidien ses sources d’inspiration, se concentrant sur le sensible, le langage du corps et du vivant. Sa volonté est de partager les analogies entre l’être humain et la nature, qui se rencontrent à la jonction de leurs fragilités respectives. Son travail invite à un temps de méditation, en phase avec sa maîtrise professionnelle du yoga et sa pratique d’une calligraphie libre. Il s’en suit une perte de repères pour aller à l’endroit du perceptif, pour laisser davantage place au regard et à une appréhension plus spontanée et sensible du monde.
Pour cela, elle expérimente différentes techniques (cyanotype, palladium, transfert, gravure) et supports photographiques (papier japonais, textile) qui lui permettent de traduire une relation au monde au-delà du perceptible. Exposée à la biennale Foto Rio au Brésil, au Centre Culturel Français en Chine, en Australie et en France, elle a reçu le Prix France Info-XXI du web documentaire pour Hakim, un autre visage_ et le Prix du meilleur documentaire Circom pour Les Dames de chœur_.

Pop Art Car 2.0 - Du 24 septembre 2026 au 31 janvier 2027. Après une première édition remarquée, Renault présente Pop Art Car 2.0, une exposition inédite au croisement de l’art contemporain, du design automobile et des nouvelles technologies. Jusqu’au 31 janvier 2027, le défilé Renault® transforme les Champs-Élysées en galerie à ciel ouvert et dévoile une sélection d’œuvres historiques, de créations numériques et de voitures pensées comme de véritables œuvres d’art.

Quand le Pop Art rencontre le numérique. Le parcours met à l’honneur deux artistes français, Sébastien Preschoux et Popay, invités à repousser les limites de leur pratique grâce à des algorithmes conçus spécialement à partir de leurs univers artistiques. Leurs œuvres inédites, pensées pour être en mouvement, prennent vie sur les grands écrans du défilé renault® et offrent une nouvelle lecture de la culture pop contemporaine, nourrie par les images numériques, l’intelligence artificielle et les tendances diffusées par les réseaux.

Pop Art Car 2.0 fait également dialoguer art et design automobile avec la Renault 8 Gordini Concept, dévoilée en avant-première mondiale, qui réinterprète la mythique « Gorde » dans une version contemporaine inspirée de la tendance café racer. Ses lignes épurées, ses clins d’œil au modèle original de 1964 et sa célèbre double bande blanche revisitée rendent hommage à l’héritage sportif de Renault tout en projetant cette icône dans le futur.

Renseignements :

Le défilé renault®, 53 Champs-Élysées, 75008 Paris

Réservation gratuite sur le site du défilé renault®.

Dates et horaires

Du jeudi 24 septembre 2026 au dimanche 31 janvier 2027 - de 10h00 à 22h00

Du jeudi 5 novembre 2026 au vendredi 5 février 2027 Tous les jours de 10h à 19h Expo photos. Du 5 novembre 2026 au 5 février 2027. Vernissage le 5 novembre à 18h.

Découvrez l'exposition de l'artiste Tanguy Bidou où l'’objet est le prolongement de notre souffle et devient la trace de notre présence. Tout évoque un monde qui se bricole, ... Tanguy Bidou
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Exposition_

Vernissage le 13 novembre à 18h.

Des objets qui font semblant : d’être une grotte, une machine, un oiseau, un corps. Les couleurs sont franches : du jaune citron, du rose chewing-gum, du vert menthe. À côté des sculptures, des dessins à la gouache anticipent ou prolongent le geste. Ils tracent les contours d’un monde instable, où les formes se répètent, comme une collection de figures possibles. Les sculptures se métamorphosent en instruments. Nous jouons quelques minutes, en improvisant, en nous soutenant les un·es les autres. Les sons ― de cuivre, de cor, de conque ― surgissent comme des voix animales ou gutturales. L’objet est le prolongement de notre souffle et devient la trace de notre présence. Tout évoque un monde qui se bricole, fait de gestes simples, d’images tenaces et du désir de croire que tout pourrait, soudainement, se mettre à danser.

Qui est Tanguy Bidou ?
Tanguy Bidou est né en 1999 à Ivry-sur-Seine. Diplômé en 2025 de l’École
Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris après une licence en
cinéma et audiovisuel à l’université de la Sorbonne Nouvelle/Paris 3, il
poursuit actuellement son parcours à travers le programme de résidence
d’accompagnement d’artistes émergents à la Fabrique Pola (Bordeaux).
Il suffit d’une cuisine. Un lavabo pour l’eau courante et la vaisselle, un robot
batteur, des casseroles. Mélanger les ingrédients, travailler la pâte, l’étaler
sur le moule et laisser reposer. La ligne droite se transforme en inclinaison
souple, l’architecture en organisme. Dans la cuisine, la pâte déborde,
s’affaisse, se courbe. Les formes résistent à l’angle droit par leurs courbes et
leur rugosité. Le plâtre hésite entre végétal, organique et mécanique.
L’enfance affleure, non pas comme un souvenir, mais comme une manière
de regarder. Des formes hors d’échelle qui flottent, qui glissent et qui
dérapent. Des objets qui font semblant : d’être une grotte, une machine, un
oiseau, un corps. Les couleurs sont franches : du jaune citron, du rose
chewing-gum, du vert menthe. À côté des sculptures, des dessins à la
gouache anticipent ou prolongent le geste. Ils tracent les contours d’un
monde instable, où les formes se répètent, comme une collection de figures
possibles. Cinq sculptures se métamorphosent en instruments. À cinq, nous
jouons quelques minutes, en improvisant, en nous soutenant les un·es les
autres. Les sons ― de cuivre, de cor, de conque ― surgissent comme des
voix animales ou gutturales. L’objet est le prolongement de notre souffle et
devient la trace de notre présence. Tout évoque un monde qui se bricole, fait
de gestes simples, d’images tenaces et du désir de croire que tout pourrait,
soudainement, se mettre à danser.

Les images du changement climatique inscrites dans l'œil collectif illustrent le plus souvent des phénomènes extrêmes touchant des lieux emblématiques du globe. Peu d’entre eux sont des sites les du … Les images du changement climatique inscrites dans l'œil collectif illustrent le plus souvent des phénomènes extrêmes touchant des lieux emblématiques du globe. Peu d’entre eux sont des sites français. Pourtant, les effets du changement climatique sont visibles et mesurables au plus près de nous.
Météo-France organise depuis 2021, en partenariat avec le magazine Géo, un grand concours photo sur le changement climatique en France. Les meilleurs clichés, sélectionnées par un jury composé de membre de la rédaction de Géo et de climatologue de Météo-France, font l’objet d’une exposition pédagogique itinérante.
A partir de septembre 2026, les territoires ultramarins de Guadeloupe, Martinique, Guyane, La Réunion et Mayotte sont à l'honneur. Venez découvrir cette sélection des photographies les plus marquantes prises en outre-mer, issues des cinq premières éditions du concours.

Itinéraire du livre et de la lecture à Maisons-Alfort Itinéraire du livre et de la lecture à Maisons-Alfort
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En 2026, la médiathèque André Malraux de Maisons-Alfort, inaugurée en 1976, fête ses 50 ans. A cette occasion, la Ville a invité Nicolas Frémiot à réaliser une « marche photographique » afin de composer un « Itinéraire du livre et de la lecture à Maisons-Alfort ». En mai 2026, le photographe a ainsi parcouru, durant sept jours, les sept quartiers de la commune sur les traces actuelles, historiques mais aussi symboliques du livre et de la lecture : les médiathèques, les librairies, le site de l'ancienne imprimerie Cino Del Duca, la première école créée par Louis Braille, les bas reliefs de Maurice Saulo sur Les Contes_ de Perrault pour le groupe scolaire Jules Ferry, la bibliothèque patrimoniale de l'Ecole vétérinaire d'Alfort, etc.

Un portrait sensible et contemporain de la Ville par Nicolas Frémiot

Cette résidence de sept jours a donné lieu à l'exposition programmée du 4 novembre 2026 au 20 février 2027, soit une soixantaine de photographies, complétées par des cartes retraçant l'itinéraire de la marche et des témoignages des habitants récoltés durant le séjour. Si elle raconte une histoire largement méconnue de la Ville à travers le livre et la lecture, cette exposition propose également un portrait sensible et contemporain de Maisons-Alfort, vu à travers ses quartiers, ses paysages et ses résidents.
Par cette commande originale et inédite, la Ville souligne le rôle des médiathèques dans la vie culturelle et sociale de Maisons-Alfort, tout en renforçant son identité de « Ville de lecture ». Riche d’un patrimoine architectural et naturel important, Maisons-Alfort accorde, en effet, une place centrale à la lecture publique depuis les années 1960, avec un réseau de médiathèques municipales aujourd'hui constitué de quatre établissements : les médiathèques André Malraux, René Coty et du Centre, et un bibliobus, designé en 2024 par les artistes internationaux Martine Feipel et Jean Bechameil.

Nicolas Frémiot, une vision poétique et documentaire du paysage

Nicolas Frémiot est un photographe dont le travail s’inscrit dans la lignée des artistes-marcheurs, comme Hamish Fulton ou Thierry Girard. Depuis les années 1990, il réalise de grandes traversées photographiques, à pied, afin de documenter les rapports entre l'homme, le paysage et le territoire. Ses « DE(s)Marches » photographiques lui permettent de s’imprègner des lieux, des rencontres et des histoires, pour en restituer une vision photographique à la fois intime et universelle. Ses projets, comme « Artoismarche », « Traversée », « Vagabondages » et, désormais, « Itinéraire du livre et de la lecture à Maisons-Alfort » ont fait l’objet de nombreuses expositions et publications. Son approche, à la fois poétique et documentaire, a été plusieurs fois récompensée et ses œuvres sont aujourd'hui conservées dans des collections publiques et privées, dont la Bibliothèque nationale de France.

Pour cette première exposition personnelle en France, le Carré de Baudouin et Art Azoï proposent de donner la possibilité à l’artiste Maya Hayuk de créer la majorité de ses oeuvres in situ.