Expositions à Belley et alentour

Cette exposition de l’Unige est une invitation à suivre la vie d’un grain de sable. Derrière cette ressource apparemment ordinaire se cachent des réalités souvent méconnues. Cette exposition est une invitation à suivre la vie d’un grain de sable. Façonné pendant des milliers d’années, il circule sur les fleuves, les mers et les routes du monde entier. De matière, il devient ressource, utilisé massivement dans le béton, matériau omniprésent dans nos bâtiments, routes et infrastructures. Mais derrière cette ressource apparemment ordinaire se cachent des réalités souvent méconnues: extraction intensive, paysages dégradés, écosystèmes fragilisés et profondes inégalités sociales et environnementales.
Depuis les carrières jusqu’aux villes marquées par la spéculation immobilière en passant par les chaînes logistiques globales, suivre un grain de sable, c’est interroger nos manières de construire, d’habiter et de transformer les territoires. C’est considérer d’autres matériaux plus durables (comme le bois, la terre, la pierre), d'autres pratiques constructives (comme le réemploi) et de nombreuses initiatives plus respectueuses de nos milieux et du vivant.

Plongez au cœur de l’art contemporain : Artraction présente des œuvres de Patrick Piccinelli, entre émotion et modernité. Une expérience rare, à la croisée de l’art, du patrimoine et de l’excellence. Exposition Patrick Piccinelli – Ports Francs et Entrepôts de Genève, 3–27 novembre 2026
Artraction est ravie de présenter une exposition exclusive dédiée à l’artiste suisse Patrick Piccinelli, du 3 au 27 novembre 2026, dans un lieu d’exception : les Ports francs et Entrepôts de Genève.
Reconnu pour son approche du minimalisme géométrique, Piccinelli s’inscrit dans la lignée du design graphique suisse, alliant rigueur, épure et raffinement. Ses œuvres, réalisées à l’acrylique, aux pigments et au vernis, jouent avec la lumière, la matière et la couleur pour créer des compositions à la fois contemplatives et vibrantes.
Cette exposition propose une immersion dans son univers singulier, où chaque toile devient un espace de respiration, de silence et d’équilibre. Les collectionneurs et amateurs d’art auront l’occasion de découvrir des pièces récentes.
Le choix des Ports Francs et Entrepôts de Genève comme écrin à cette manifestation n’est pas anodin : ce lieu emblématique, habituellement discret, ouvre exceptionnellement ses portes à la création contemporaine. Cette collaboration, initiée et consolidée par Artraction, s’inscrit dans une volonté de rapprocher l’art, le patrimoine et l’excellence genevoise.
Artraction, acteur engagé de la promotion de l’art contemporain en Suisse, poursuit ainsi sa mission de rendre l’art accessible, tout en valorisant les artistes et les lieux qui font la richesse culturelle de la région. Une invitation à vivre l’art autrement, dans un cadre rare et inspirant.

Exposition ouverte au public : du 3 au 27 novembre 2026
Lieu : Ports Francs et Entrepôts de Genève

Exposition audiovisuelle à Uni Mail présentant des vidéos de l'association Border Forensics qui mène des enquêtes avec et en soutien aux communautés exposées à la violence frontalière. À travers des extraits de trois films, l’exposition présente trois enquêtes menées par Border Forensics:

La mort de Blessing Matthew_ (2022) revient sur le décès de cette jeune femme nigériane, morte en 2018 alors qu’elle tentait de franchir la frontière franco-italienne dans les Alpes.
The Death of Roger Nzoy Wilhelm_ (2025) examine les circonstances de la mort de Nzoy, tué par la police vaudoise à la gare de Morges en 2021.
Enfin, Asymmetric Visions_ (2023) explore les dispositifs de surveillance aérienne et le contrôle des migrations en Méditerranée centrale.

En mobilisant des méthodes issues de la géographie, de l’analyse spatiale et géostatistique, de l’analyse de données et de la modélisation 3D, les contre-enquêtes de Border Forensics permettent de reconstituer des événements contestés et de documenter des violences souvent difficiles à établir. Border Forensics explore ainsi le potentiel des images et des données pour documenter les violences aux frontières, questionner les récits établis et contribuer aux luttes pour les droits humains et la justice migratoire.
Vernissage le 22 septembre à 18h30 avec les interventions de Jean-Paul Bronckart (Fonds Spitzer), Claire-Akiko Brisset (Comité scientifique du Mural), Charles Heller (Border Forensics), suivies d'une performance surprise et clos par une verrée.

Cette exposition audiovisuelle se tient sur le Mural Alexei Jaccard-Droits humains à Uni Mail. Ce dispositif propose un lieu de mémoire, d’information et de réflexion interdisciplinaire sur les droits humains et la disparition forcée dans le monde à partir du destin tragique d’Alexei Jaccard, étudiant suisso-chilien victime de disparition forcée en 1977.

Le projet Acedia de la photographe française Louise Desnos est une exploration visuelle de la paresse, de la fatigue et de l’intime. Le mot anglais acedia (acédie en français) désigne un état de profond ennui et d’apathie. Avec ce projet, l’artiste fait l’éloge de la paresse, si souvent décriée dans nos sociétés contemporaines toujours plus orientées sur la productivité et sur une optimisation constante de soi. Prenant le contrepied de ces incitations à la performance et à l’efficacité, Louise Desnos propose de repenser la paresse comme acte créatif, et comme posture de résistance face à l’aliénation au travail, à la compétition sans relâche et au consumérisme du système capitaliste.

Ses photographies sensibles et contemplatives, empreintes d’inspirations littéraires, cinématographiques et picturales, mettent en lumière des non-événements. La paresse, habitée par les modèles, se propose de traduire un refus de la vie telle qu’elle est donnée à vivre, au privilège d’une recherche de liberté, et d’un espace d’introspection, parfois teintée de mélancolie. La réalisation même de ce projet a été pour la photographe un moyen de se réapproprier du temps et de l’investir sans contrainte, à la différence de ses mandats rémunérés de photographe.

Une collaboration avec la Fondation Convergences.

Artraction présente une exposition exclusive dédiée à l’artiste Patrick Piccinelli, du 3 au 27 novembre 2026, dans un lieu d’exception : les Ports Francs et Entrepôts de Genève. Reconnu pour son approche du minimalisme géométrique, Piccinelli s’inscrit dans la lignée du design graphique suisse, alliant rigueur, épure et raffinement. Ses œuvres, réalisées à l’acrylique, aux pigments et au vernis, jouent avec la lumière, la matière et la couleur pour créer des compositions à la fois contemplatives et vibrantes.

Cette exposition propose une immersion dans son univers singulier, où chaque toile devient un espace de respiration, de silence et d’équilibre.

Le choix des Ports Francs et Entrepôts de Genève comme écrin à cette manifestation n’est pas anodin : ce lieu emblématique, habituellement discret, ouvre exceptionnellement ses portes à la création contemporaine. Cette collaboration, initiée et consolidée par Artraction, s’inscrit dans une volonté de rapprocher l’art, le patrimoine et l’excellence genevoise.

Artraction, acteur engagé de la promotion de l’art contemporain en Suisse, poursuit ainsi sa mission de rendre l’art accessible, tout en valorisant les artistes et les lieux qui font la richesse culturelle de la région.

Une invitation à vivre l’art autrement, dans un cadre rare et inspirant.

Exposition ouverte au public : du 3 au 27 novembre 2026

Lieu : Ports Francs et Entrepôts de Genève
Entrée libre de 8:00 à 11:45 et de 13:00 à 16:00, du lundi au vendredi.

Une géographie fantôme de Hugo Hu Résidence Atlas des absences
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Une géographie fantôme de Hugo Hu

Lauréat de l’appel à candidature pour la résidence de recherche en architecture Furieuse en vie, Hugo Haoran Hu est accueilli pendant 8 semaines à Salins-les-Bains, point d’ancrage et de départ pour une immersion de Pont d’Héry à la Chapelle-sur-Furieuse, un temps au cours duquel il construira avec les habitants une mythologie contemporaine de la Furieuse, où le dessin fait apparaître les fantômes du territoire — ce qui n’est plus et ce qui n’est pas encore — afin de rendre visibles ses histoires, ses imaginaires et ses patrimoines fragiles.
Né en 1995 à Kunming en Chine, Hugo Haoran Hu est architecte diplômé et fondateur de Sihu Lab, formé entre l’École nationale supérieure des Arts décoratifs, à l’Université technique d’Eindhoven. Sa pratique, à la croisé de l’architecture, du dessin et de la recherche, explore les relations entre lieux, récits, mémoires et imaginaires. Le dessin l’accompagne depuis toujours comme un outil d’observation et de narration, allant du carnet et de l’illustration au collage et à la bande dessinée.
Aux questions « Qu’est qu’un patrimoine fragile ? Comment révéler la qualité du cadre bâti, celle du cadre de vie ? », Hugo Hu répond qu’un patrimoine n’est pas seulement fragile lorsque sa matière disparaît, mais aussi lorsque les histoires, les usages et les imaginaires qui l’habitent cessent d’être transmis. Construire une mythologie contemporaine, c’est alors faire réapparaître ces fantômes et créer un système narratif ouvert — un support commun sur lequel les histoires du territoire peuvent continuer à se développer, se transformer et en faire naître de nouvelles. Faire vivre le patrimoine, ce n’est donc pas seulement conserver ce qui existe, mais lui permettre de continuer à produire du récit et des possibles.
Comment représenter ce qui n’est plus visible ?
Comment donner une forme à ce qui n’existe pas encore ?
Et comment ces absences participent- elles pourtant à notre manière d’habiter un lieu aujourd’hui ?
Ces interrogations rejoignent la notion d’hantologie : l’idée que le présent n’est jamais entièrement contemporain de lui-même, mais demeure habité par des passés qui ne disparaissent pas tout à fait et par des futurs qui se font déjà sentir avant d’advenir. Hugo Hu entend déplacer cette réflexion du champ théorique vers une expérience concrète du territoire : marcher, regarder, dessiner et écouter.
Là où la photographie saisit principalement ce qui est présent devant nous, le dessin permet de faire apparaître l’absence. Il peut superposer à une rue actuelle la trace d’un bâtiment disparu, retrouver dans un atelier les gestes d’un métier oublié, ou accueillir dans un espace vacant une présence qui n’existe pas encore.
La résidence donnera ainsi progressivement naissance à un Atlas des absences, une cartographie sensible et collective de la vallée organisée autour de deux figures temporelles :
No Longer — ce qui n’est plus là, mais continue de hanter le lieu.
Not yet — ce qui n’est pas encore là, mais dont la possibilité, le désir ou la crainte agit déjà sur le présent.
Il ne s’agira ni d’établir un inventaire patrimonial exhaustif, ni de proposer un projet d’aménagement. L’Atlas cherchera plutôt à révéler une autre épaisseur du territoire : celle des lieux ordinaires, des transformations silencieuses, des récits fragmentaires et des futurs imaginés.
Entre France, Italie, Pays-Bas et Chine, le parcours professionnel de Hugo Hu l’a notamment conduit à travailler pendant deux ans au studio Fuksas à Rome et lui a permis de développer un regard transversal sur différentes manières de concevoir, transformer et habiter les territoires. En parallèle, il développe une recherche personnelle sur les conditions contemporaines de l’architecture et sur les relations entre espace, temps et mémoire. Ses projets ont été distingués, notamment par le Prix Enah 2025, exposé à la…

Une sélection d'ouvrages de la bibliothèque universitaire pour découvrir la naissance d'une technique et d'un art Une sélection d'ouvrages de la BU pour découvrir la naissance d'une technique et d'un art

Table de présentation constituée à partir des collections de Photographie de la bibliothèque universitaire de Bron, illustrant les origines et la naissance de la photographie, et son développement jusqu'à la démocratisation de l'usage des appareils photo au tournant du XXè siècle.
Cette animation vous est proposée dans le cadre de la programmation ["L'Ici et ailleurs - 200 ans de photographie"](https://www.univ-lyon2.fr/vie-des-campus/bicentenaire-de-la-photographie), consultez le lien pour découvrir la programmation complète.

Une exposition locale, créative et durable, en collaboration avec la Renfile et Onl’fait. Re:Make incarne l’idée qu’un futur désirable peut émerger de l’existant, par la créativité, la collaboration et le détournement des usages.
Les designers sont invités à imaginer des objets pour les espaces de travail, capables de susciter de nouvelles interactions et de faire évoluer les manières de travailler, tout en privilégiant une conception économe en ressources.

Vernissage le 29.10, 17h : (https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSfJGAwHJuueTmMVU6LoxYDSU1tuAoDtjxnXEf0P86Suceypmg/viewform)

8 designers – 8 objets
À partir de mobilier, de matériaux et d’objets récupérés, chaque designer est invité à concevoir une pièce singulière. Les objets imaginés devront dialoguer avec les usages contemporains du travail : concentration, bien-être, collaboration, convivialité, créativité et interactions sociales.

Processus de création
L’exposition défend une pratique du design attentive aux ressources, où la créativité s’exerce autant dans l’objet final que dans les processus de conception et de fabrication. Le processus de création constitue une dimension essentielle. Les designers puisent dans les flux de matières et d’objets transitant par les bennes du CSP, en considérant l’existant comme une ressource et la contrainte comme un moteur de projet.
Par le réemploi, la transformation ou le détournement, les designers sont invités à donner une nouvelle vie à des fragments oubliés et à explorer de nouvelles méthodes de conception.

L’objectif : créer des objets fonctionnels et porteurs de sens qui allient une approche low-tech et durable, une esthétique de la transformation et une attention portée à leur cycle de vie, leur réparabilité et leur potentiel de réemploi.

Designers
Naomi Blidariu
Collectif Contremarche
Nina F. D’Elia
Emma Py
Jaemo Lee
Kenza Nakous
Hugues Scheibli
Kurzaj Studio

Soutien: Tracks4crafts

Du 5 novembre au 17 décembre, l'artiste Olivia Malena Vidal expose une sélection d'oeuvres réalisées entre 2015 et 2026 à la Fondation WRP. Vernissage mercredi 4 novembre de 17h30 à 20h. Réunissant des œuvres réalisées entre 2015 et 2026, l’exposition d’Olivia Malena Vidal témoigne d’une pratique qui se construit dans le passage d’un médium à l’autre. Photographie, peinture, dessin et collage ne sont pas envisagés comme des espaces distincts, mais comme différentes manières d’explorer, de transposer et de traduire une même obsession : l’image.
L’image est à la fois sujet, matière et point de départ. Elle est regardée, photographiée, peinte, découpée, recouverte, agrandie ou réduite. Elle change de contexte, d’échelle et de statut. Une photographie devient peinture, un dessin devient photographie, une image choisie peut être intégrée à un collage puis recouverte par la peinture. Chaque métamorphose produit un écart : quelque chose de l’image première demeure, tandis qu’une nouvelle apparaît.
Cette façon de travailler s’accompagne d’une réflexion sur le regard. Se glisser dans une image, observer l’architecture par le biais d’un reflet ou d’une ouverture, déplacer le point de vue : le regard permet d’explorer l’espace et d’appréhender ce qui est vu. Le réel n’est jamais tout à fait regardé frontalement ; il apparaît à travers des détours, des jeux de cadrage et de superposition.
Cette relation à l’image est également tributaire de l’histoire de l’art. Au fil du temps, certaines images sont retenues, accumulées, conservées comme autant de traces de rencontres, de références ou de fascinations. Elles constituent une mémoire visuelle qui peut être fragmentée, superposée et recomposée. Les œuvres d’autres artistes deviennent progressivement une matière personnelle, un champ d’exploration.
Dans ce rapport aux images, il y a d’abord le regard de la spectatrice, attentive aux images qui l’entourent ; puis celui de la collectionneuse, qui les recueille et les conserve ; et enfin celui de l’artiste, qui les découpe, les assemble, les recouvre et les modifie pour faire émerger, à partir de ces fragments, ses propres formes.
Au fil des années, le réel laisse progressivement plus de place à l’abstraction. Les architectures, les paysages, les éléments naturels et les images rencontrées se transforment en lignes, en couleurs, en rythmes. La verticalité, récurrente dans les œuvres de Vidal, reste un motif persistant, où le geste pictural s’affranchit de la figuration.
Lignes de traverse évoque les lignes qui parcourent les œuvres, mais aussi les lignes de pensée, de regard et de transformation. Une manière de chercher sa place non pas en restant au même endroit, mais en passant d’une forme à l’autre, jusqu’à construire progressivement son propre langage.
Texte par Brigitte Vidal

Lundi sur rendez-vous_
Mar, Mer, Jeu : 9h-12h et 13h30-17h_
Ven: 9h-14h_

Proposée par la Plateforme interreligieuse de Genève à la Maison de l’Avenir, l’exposition « Fleuve de vie, vie des fleuves » sera complétée par des visites guidées et une table ronde. Exposition "Fleuve de vie, vie des fleuves" à la Maison de l’Avenir, Impact Hub, Genève – Du 2 novembre au 4 décembre, lundi au vendredi de 9h à 18h
Un voyage à travers dix grands fleuves du monde abordés à travers différentes thématiques telles que la géographie, les traditions et les croyances, la biodiversité ou encore les ressources naturelles. En dévoilant la richesse et la diversité de ces écosystèmes, l’exposition invite à porter un regard sur la complexité et la beauté du vivant.

Visites guidées de l’exposition – 12 et 25 novembre à 18h30
Les visites guidées d’une durée d’une heure seront proposées par Pierre Rouyer, commissaire de l’exposition, et la visite du 12 novembre sera suivie d’un apéritif.

Table ronde – 24 novembre à 19h
Les fleuves et le sacré : des pratiques spirituelles au soin du vivant
Au fil du temps, les communautés ont tissé des liens profonds avec les fleuves, à travers leurs traditions et leurs pratiques spirituelles. Dans quelle mesure ces relations peuvent-elles favoriser une posture de soin et de réciprocité envers leurs milieux de vie ? Alors que notre époque tend à réduire le vivant à une simple ressource exploitable, ce lien au sacré peut-il inspirer d’autres voies à explorer ?
Avec les intervention d'Aurélie Netz, anthropologue, et de Gilles Mulhauser, ex-directeur de l’Office cantonal de l’eau de Genève.

[https://interreligieux.ch/wp/evenement/fleuve-de-vie-expo-table-ronde-sdr-2026/](https://interreligieux.ch/wp/evenement/fleuve-de-vie-expo-table-ronde-sdr-2026/)

Commémoration du 11 Novembre à Reignier, Esery et La Muraz 9H Esery 11h La Muraz Commémoration du 11 Novembre à Reignier, Esery et La Muraz

9H Esery
11h La Muraz

Programme des cérémonies commémoratives du 11 novembre 1918 à Varces-Allières-et-Risset : À 9h au monument de Risset À 9h45 sur la place de la

Quinze ans après leur première collaboration — à l'occasion de l'exposition Surveillé(e)s en 2011 —, L'appartement 22 (Rabat, Maroc) et La Halle (Pont-en-Royans, France) s'associent pour un nouveau à… D’un massif à l’autre
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Oumayma Abouzid Souali, Khadija El Abyad, Mustapha Akrim, Nassim Azarzar, Ro Caminal, Dominique Hurth, Karim Rafi

Quinze ans après leur première collaboration - à l’occasion de l’exposition Surveillé(e)s en 2011-, [L’appartement 22](http://appartement22.art/) (Rabat, Maroc) et (www.lahalle-pontenroyans.org) (Pont-en-Royans, France) s’associent pour un nouveau projet. Animées par des préoccupations communes, les deux structures portent le dispositif, "D’un massif à l’autre", qui se déploie en plusieurs phases et temporalités à travers des résidences, de la production, des rencontres, des installations et expositions...
"D’un massif à l’autre" questionne avant tout le(s) lieu(x) et les déplacements tangibles, mentaux et imaginaires qui s’y tracent. Le projet ancre sa réflexion dans un entre-deux : entre différents sites, diverses périodes de recherches et de monstration. Les œuvres ont été produites suite (et pendant) les explorations de la région du Rif ou du Vercors, mais leur résonance dépasse cette donnée localisée proposant des correspondances inattendues. Les artistes ont travaillé en prise directe avec des milieux aux histoires complémentaires, aux géographies affines, en contact avec des personnes qui révèlent des façons multiples de voir le monde, de faire et être en société.
D’un pays à l’autre, d’une région à l’autre, l’art voyage bien au-delà des espaces de production et de rencontre dans lesquels il a été initialement produit. Si les artistes explorent des contextes au fort ancrage local, leurs œuvres transcendent cette origine. Le point de départ est territorialisé, mais il se dissout : les récits résonnent ailleurs, la mémoire devient collective et les spécificités deviennent passeurs d’universalité.
Certain·e·s artistes enquêtent alors sur l’Histoire dominante (Mustapha Akrim, Ro Caminal), d’autres saisissent le paysage dans une portée politique (Oumayma Abouzid Souali, Dominique Hurth) ou lui confèrent une dimension dystopique (Karim Rafi) ou encore explorent l’identité par les gestes (Khadija El Abyad) et les trajectoires personnelles (Nassim Azarzar). À la Halle, le public découvre un parcours d’exposition qui alterne des installations, des films, de l’art sonore et aussi du texte et du dessin. Les œuvres interpellent, elles donnent à voir tout comme elles donnent à penser…
"D’un massif à l’autre" vise alors à faire émerger des perspectives plurielles et à questionner des sujets actuels et transversaux tout en interrogeant les mécanismes de fabrique des mémoires, des identités et des représentations collectives dans des géographies fluides.

Artistes en résidence à Pont-en-Royans : Nassim Azarzar & dans le Vercors, avec la complicité de Villa Glovettes : Khadija El Abyad et Karim Rafi. Artistes accueillies à Rif Résidences : Oumayma Abouzid Souali, Ro Caminal, Dominique Hurth.

Curation : Abdellah Karroum et Giulia Turati.

Le projet se poursuit en 2026-2027 à L’appartement 22 et dans les pages d’une édition à tirage limité conçue par Système Sensible.

Les montagnes figurent parmi les territoires les plus affectés par le changement climatique à l’échelle de la planète et l’espace transfrontalier alpin ne fait pas exception. Dans ce contexte, Escape (Évasion Scientifique pour Construire un Avenir Plus Écologique) propose une expérience immersive et pédagogique visant à sensibiliser aux transitions en montagne.
3 thèmes abordés :
Pratiquer la montagne : l’hiver ou l’été ?​ Consommer moins ou autrement ?​ S’adapter ou déménager ?
Projet du programme Interreg Alcotra financé par l’Union européenne, en partenariat avec Savoie Haute-Savoie Biblio.​

"Dorica castra, des liens en images" est un projet démocratique de création participative sur le territoire chalonnais à la croisée de la création photographique, de la rencontre et de la recherche. "Dorica castra, des liens en images" est un projet démocratique de création participative sur le territoire chalonnais à la croisée de la création photographique, de la rencontre et de la recherche.
Pour le Bicentenaire de la Photographie, le musée Nicéphore Niépce sort de ses murs et accompagne des processus créations photographiques où chacun.e, professionnel.le de l’art ou non, peut être acteur.rice. Des artistes s'installent sur un temps long dans des lieux publics qui ne sont pas dédiés à la culture, en font des ateliers de création ouverts. Le dialogue s'instaure avec des collections du musée, leur création en cours et votre participation. Le musée vous propose de bouleverser les rapports habituels à la création artistique et d’expérimenter un processus artistique visibilisé et mis en partage. Vous êtes ainsi invités à participer et prendre part à la création !
Un collectif de chercheuses en art et en ergonomie accompagne, questionne et analyse ce qui se produit entre les images et pour chacun de nous.
Avec les artistes : Marielsa Niels, Valérie Frossard, Morgane Denzler + Erika Meda
et les chercheuses en art et en ergonomie : Muriel Prévot-Carpentier, Anne Bationo-Tillon et Raphaële Bertho.
Pour ces sessions à l'école de Saint-Loup-de-Varennes, c'est l'artiste Marielsa Niels qui sera présente.
Cette action est soutenue par la Drac Bourgogne-Franche-Comté, le Département de Saône et Loire, l’Agence nationale de la Cohésion Territoriale et le Grand Chalon.
Dorica Castra se déploiera sur d'autres lieux entre septembre 2026 et juillet 2027, soyez à l'affût !

"Dorica castra, des liens en images" est un projet démocratique de création participative sur le territoire chalonnais à la croisée de la création photographique, de la rencontre et de la recherche. "Dorica castra, des liens en images" est un projet démocratique de création participative sur le territoire chalonnais à la croisée de la création photographique, de la rencontre et de la recherche.
Pour le Bicentenaire de la Photographie, le musée Nicéphore Niépce sort de ses murs et accompagne des processus créations photographiques où chacun.e, professionnel.le de l’art ou non, peut être acteur.rice. Des artistes s'installent sur un temps long dans des lieux publics qui ne sont pas dédiés à la culture, en font des ateliers de création ouverts. Le dialogue s'instaure avec des collections du musée, leur création en cours et votre participation. Le musée vous propose de bouleverser les rapports habituels à la création artistique et d’expérimenter un processus artistique visibilisé et mis en partage. Vous êtes ainsi invités à participer et prendre part à la création !
Un collectif de chercheuses en art et en ergonomie accompagne, questionne et analyse ce qui se produit entre les images et pour chacun de nous.
Avec les artistes : Marielsa Niels, Valérie Frossard, Morgane Denzler + Erika Meda
et les chercheuses en art et en ergonomie : Muriel Prévot-Carpentier, Anne Bationo-Tillon et Raphaële Bertho.
Pour ces sessions au Centre médico psycho-pédagogique de Chalon-sur-Saône, ce sont les artistes Erika Meda et Morgane Denzler qui seront présentes.
Cette action est soutenue par la Drac Bourgogne-Franche-Comté, le Département de Saône et Loire, l’Agence nationale de la Cohésion Territoriale et le Grand Chalon.
Les dates précises des sessions 2027 de cette résidence au Centre médico psycho pédagogique de Chalon-sur-Saône seront précisées ultérieurement sur cet agenda et sur le site internet [www.bicentenaire-niepce.com](http://www.bicentenaire-niepce.com). Dorica Castra se déploiera sur d'autres lieux entre septembre 2026 et juillet 2027, soyez à l'affût !

À l’occasion du Bicentenaire de la Photographie, l’artiste Amandine Mohamed-Delaporte porte un regard contemporain sur le barrage de Serre-Ponçon et les paysages qui l’entourent. Son travail entre en dialogue avec les photographies d’Henri Branger, photographe industriel qui a suivi la construction de cet immense chantier et dont les photographies sont en partie conservées aux Archives départementales. Entre photographies contemporaines, clichés historiques et documents d’archives, Cote 780 propose ainsi de croiser les regards et les époques pour redécouvrir Serre-Ponçon autrement.

Cérémonie du 11 novembre Cérémonie du 11 novembre

L'artothèque vous invite à découvrir son fonds photographique à travers une sélection d'une vingtaine d'oeuvres. Portraits et paysages, photographie documentaire et plasticienne, tirages numériques et argentiques se croisent et se répondent, dévoilant la richesse de ce médium et les multiples techniques et démarches des photographes contemporains.
Spécial familles: grâce au kit ludique la découverte de la photo est un jeu d'enfant!

Commémoration de l'armistice du 11 Novembre 1918 Devoir de mémoire au monument aux morts, place de la Lyre Commémoration de l'armistice du 11 Novembre 1918
Devoir de mémoire au monument aux morts, place de la Lyre

Découvrez l’exposition permanente du trésor monétaire de Cluny révélé lors des fouilles archéologiques de 2017 ! Découvrez l’exposition permanente du trésor monétaire de Cluny révélé lors des fouilles archéologiques de 2017.

Dilo Dibout ? C'est la canne à sucre dans l'imaginaire collectif mauricien. Deux photographes Antonin Lainé (France) et Frédérick Bréville (Maurice) ainsi qu'une géographe Elsa-Xuân Lainé, les… Dilo Dibout ?\ C’est la canne à sucre dans l’imaginaire collectif mauricien. Deux photographes, Antonin Lainé (France) et Frédérick Bréville (Maurice) ainsi qu’une géographe, Elsa-Xuân Lainé, documentent les transformations en cours dans les territoires encore peu connus de l’île, à l’écart des littoraux. Mémoire vivante, photographies et récits mettent en lumière des paysages qui changent, l’empreinte d’un patrimoine industriel qui s’estompe et dévoilent la beauté fragile d’un monde qui se transforme.

L’exposition se décline en une soixantaine de photos en couleurs et en N&B de formats allant de 30x40 cm, à 50x60 cm avec une option en kakemonos suspendus en textiles.
Plusieurs thèmes sont imbriqués :
Photographies en couleur par Antonin Lainé : les territoires de la canne à sucre, le patrimoine industriel, les friches, les usines en activité, les nouveaux paysages.
Photographies en Noir & Blanc par Frédérick Bréville : portraits de celles et ceux ayant travaillé sur les territoires de la canne ; leurs paroles sont recueillies par Elsa-Xuân Lainé, ainsi que des reportages sur deux demeures historiques de domaines sucriers (maison Euréka de la famille Le Clézio et Demeure Saint Antoine).

Ce projet de photographie documentaire de création est structuré par des textes et des légendes contextualisées, en bilingue Français/Anglais par Elsa-Xuân Lainé.

L’exposition est programmée à l’Institut français de Maurice (IFM) à Rose Hill tout le mois de novembre 2026, l’accès est ouvert à tous et gratuit. De plus, un livre au titre éponyme, édité par l’association « De loin et/ou de près » sera lancé à cette occasion.

Dilo Dibout ? Ile Maurice propose de documenter les transformations du territoire mauricien contemporain, à travers les résonances entre friches industrielles, usines encore en activité, paysages redessinés par le développement économique, patrimoine industriel et témoignages des travailleurs de la canne. Il interroge la manière dont la monoculture de la canne à sucre a façonné les territoires, les paysages et les mémoires collectives. La photographie y est envisagée comme un outil documentaire et artistique, capable de révéler les traces visibles et invisibles des mutations, tout en construisant une écriture visuelle sensible, singulière et actuelle.
Dilo Dibout ? Ile Maurice s’inscrit dans la tradition documentaire et historique de la photographie industrielle, tout en élargissant cette approche. Il met en lumière la coexistence entre le territoire, le patrimoine et les dynamiques en représentation.

\Dilo Dibout ? : fait partie des « sirandanes » que l’on pourrait traduire par jeu de mots, énigme, se présentant sous la forme d’une question dont la réponse tient en un mot. A la question « de l’eau debout ? », la réponse est kann (la canne à sucre).

Une expo co-curatée avec Mayi Arts Carine Biley et Ngalula Mafwata ont le plaisir de présenter Langages Sacrés : Les Métamorphoses, l’exposition personnelle du photographe et artiste visuel camerounais Martin Abega chez Filafriques à Genève.

Présentée dans le cadre d’une collaboration entre Filafriques et Mayì Arts, sous le commissariat de Ngalula Mafwata, l’exposition réunit une sélection de compositions photographiques et d’œuvres mêlant photographie, textile, broderie, cauris et charbon.

Langages Sacrés : Les Métamorphoses explore les processus de transformation qui traversent à la fois le corps et l’esprit : l’épreuve, la fragilité, la trace, la transmission et la régénération, métaphoriquement incarnées à travers la figure féminine.

De L’Image à la Matière

L’univers de Martin Abega réunit le corps, la mémoire et la beauté.

Pour Abega, la photographie n’est jamais une finalité. Elle est une porte, un portail sacré vers d’autres territoires de pensée interconnectés.

De la photographie au textile, de la broderie au charbon, l’image se prolonge, se fragmente, s’absorbe et prend forme autrement. Aux métamorphoses intérieures répondent alors des métamorphoses visuelles.

Langages Sacrés : Les Métamorphoses ne cherche pas à imposer une interprétation définitive du sacré. L’exposition ouvre plutôt un espace de contemplation et de questionnement.

Que reste-t-il de nous après la transformation ?

En résonance à la 18e Biennale d’art contemporain de Lyon, Urdla présentera Faire le sale une exposition monographique consacrée à l’artiste genevoise Delphine Reist. En résonance à la 18e Biennale d’art contemporain de Lyon, Urdla présentera Faire le sale une exposition monographique consacrée à l’artiste genevoise Delphine Reist.
Habituée à mettre en scène des objets du quotidien de toutes sortes, parfois activés, parfois autonomes, Delphine Reist construit à travers eux le socle théorique de sa pratique : l’exploration des formes d’aliénation physique et psychique inhérentes aux modes de travail, et par extension, aux sociétés qui les produisent.
À Urdla, Delphine Reist poursuit cette recherche, autour des gestes et tâches ordinaires souvent invisibilisés, en particulier lorsque ces activités relèvent historiquement du domaine féminin. Sacs en toile, fers et planches à repasser deviennent ainsi les vecteurs d’une réflexion sur la valeur et la reconnaissance du travail domestique.
Pour ce faire, l’artiste s’empare de la lithographie et de la diversité de ses procédés (reports, transferts et traces) afin de fixer sur le papier ces objets, dans une tentative de les faire exister dans une autre dimension. Réactivés et exposés hors de leur contexte d’usage, ces objets trouveront, dans l’ancienne usine de fabrication de tulle, un nouvel écho : celui d’un dialogue entre mémoire ouvrière et domestique.
L’exposition reposera sur un dialogue étroit entre ce corpus de lithographies imprimées et éditées par Urdla entre 2024 et 2026, des sculptures en bronze coproduites dans le cadre d’un workshop mené avec l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon (Ensba Lyon) et des pièces uniques de son atelier.
Urdla invite à découvrir Faire le sale de Delphine Reist du 19 septembre au 19 décembre 2026 avec un vernissage samedi 19 septembre de 14 heures à 18 heures.

Première exposition temporaire du SaSA: une intervention artistique inédite, de Joana Hadjithomas et Khalil Joreige, proposée en collaboration avec le Mamco. Pour son ouverture, le SaSA a invité le Mamco à concevoir un projet spécifique d'intervention artistique. Son choix s’est porté sur le travail de Joana Hadjithomas et Khalil Joreige, dont plusieurs œuvres sont liées à l’archéologie.

Depuis plus de vingt-cinq ans, ce duo d’artistes développe une pratique qui associe images, enquêtes et recherches. Réunies ici, les œuvres Palimpsests, Time Capsules_ et Trilogies_ nous invitent à regarder sous la surface de nos villes, là où s’accumulent des histoires invisibles, nous entraînant dans un vertige temporel.

En faisant dialoguer mémoire, science et imagination, cette première exposition temporaire du SaSA invite à explorer le site comme un espace d’ancrage et d’expérimentation, où le territoire devient un lieu partagé entre savoirs, usages et créations contemporaines.

Une immersion artistique au cœur des paysages polaires. Plongez dans l’univers fascinant de Fanny Kopp et partez à la découverte de l’Arctique à travers une exposition, un atelier de linogravure et le récit captivant de son voyage à bord du Que Sera_, un bateau d’expédition scientifique.

Exposition

Du 26 octobre au 19 novembre 2026
En accès libre, aux heures d’ouverture de la bibliothèque
[Bibliothèque des Avanchets](https://www.vernier.ch/lieux/bibliotheque-des-avanchets), Rue du Grand-Bay 21, 1220 Les Avanchets

Récit de voyage par Fanny Kopp, jeudi 19 novembre à 18h30 Suivi d’une verrée

Ateliers gravure le samedi 7 novembre de 14h à 17h dès 6 ans, enfants de moins de 10 ans accompagnés d’un adulte. Sans inscription.

De Abdul Rahman Katanani avec Analix Forever. Curator : Barbara Polla (https://www.culturedepalestine.org/articles/119854-abdul-rahman-katanani)

(1983, Camp de Sabra, Beyrouth) vit et travaille au Liban.
Né dans le camp de Sabra, de parents réfugiés palestiniens, Abdul Rahman Katanani devient artiste, travaillant avec le matériel à disposition dans le camp : fil de fer barbelé, tôle ondulée, métal des barils de pétrole, bois... Titulaire d’un diplôme en Beaux-Arts de l’Université libanaise de Beyrouth et d’une maîtrise en arts plastiques, il expose dès 2012 à l’Institut français à Beyrouth, puis bénéficie de plusieurs résidences en France à la Cité des Arts de Paris, ainsi qu’à Nanterre et à « Vent des Forêts » dans la Meuse. Il reçoit le prix des jeunes artistes du Musée Sursock à Beyrouth, en 2009 et est nominé pour son engagement, en 2016, à YIA Art Fair (Paris).
Désormais franco-palestinien, Abdul Rahman Katanani réalise de nombreuses expositions en Suisse, en France et au Liban, en collaboration avec le trio de galeries Saleh Barakat, Analix Forever et Magda Danysz. Il a exposé à l’IMA à plusieurs reprises, au Musée du Fer en Suisse, à la Biennale d’Anglet (2016) et la Quadriennale de Malbuisson (2021), ainsi qu’aux Tuileries à Paris, pendant l’automne 2021. Son œuvre est présente dans la Fondation Dalloul Art, la collection Philippe Jabre, Dar El-Nimer, et le Musée arabe d’art moderne à Doha. Il vient de publier avec Barbara Polla un ouvrage de réflexions illustré de dessins originaux : Abdul Rahman Katanani, Paroles d’artiste_ (Slatkine, 2023).
Source : [https://analixforever.com/](https://analixforever.com/)

Ouverte en 1976 au sein de la médiathèque de Grand’Place, l’artothèque de Grenoble est la plus ancienne encore en activité en France, et aujourd’hui installée dans les murs de la bibliothèque d’étude et du patrimoine. En adaptant son fonctionnement à celui d’une bibliothèque, l’artothèque de Grenoble innove, et sert d’inspiration au ministère de la Culture pour les projets de développement des artothèques sur le territoire français. En 2026, la collection de l’artothèque de Grenoble compte environ 2 000 œuvres, comprenant 1 200 estampes et 800 photographies. L’année 2026 marque les 50 ans de cette institution, première artothèque à souffler un si grand nombre de bougies : un ensemble de manifestations est prévu, dont une exposition centrale à la bibliothèque d’étude et du patrimoine et des accrochages dans d’autres bibliothèques du réseau municipal.

L’exposition présentera des œuvres issues de la collection, représentatives des courantes artistiques qui ont traversé chaque décennie depuis les années 1970. Ce projet entend également valoriser l'importante collections de photographies de l'institution, en mettant en avant la diversité des œuvres acquises entre les années 1970 et aujourd'hui. Il s'agit aussi de faire découvrir l'institution, son fonctionnement et sa politique actuelle d'acquisition à une grande diversité de publics.
[https://bm-grenoble.fr/~~/default/exposition-lart-semporte-50-ans-de-lartotheque.aspx](https://bm-grenoble.fr/~~/default/exposition-lart-semporte-50-ans-de-lartotheque.aspx)

Conférence de Pablo Ferreiro, délégué a la longue vie, et Thiago Herick de Sa, coordinateur à l'OMS, sur 20 ans de politiques seniors Cité Seniors fête ses 20 ans | Retour vers le futur
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Pour célébrer cet anniversaire, nous vous proposons balades, conférences, expositions, visites, spectacles et moments d’échange, qui rythmeront cette programmation placée sous le thème Retour vers le futur.

De la Ville amie des aînés à la politique de la longue vie

Depuis plus de 20 ans, la Ville de Genève met en place des politiques publiques permettant de faire en sorte que notre ville soit toujours plus agréable à vivre pour les seniors.
Passage en revue de cette histoire avec Pablo Ferreiro, délégué a la longue vie de la Ville de Genève, et Thiago Herick de Sa, coordinateur du réseau global des Villes amies des aînés (Organisation mondiale de la Santé).
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Cette animation est proposée dans le cadre des activités semestrielles de Cité Seniors, nous vous invitons à (https://www.geneve.ch/sites/default/files/2026-08/programme-activites-seniors-sept-dec-26.pdf) pour plus d'activités adressées aux seniors!

Découvrez « Terrain de jeux, à l’épreuve du genre », l’exposition de Tim Douet à la Galerie Domus de Lyon 1, du 5 octobre au 12 novembre. « Terrain de jeux, à l’épreuve du genre »
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Pendant un an, le photographe Tim Douet a poussé les portes des laboratoires de recherche, arpenté les terrains d’entraînement, les gymnases et les salles de classe de l' (https://www.univ-lyon1.fr/universite/organisation/ufr-des-sciences-et-techniques-des-activites-physiques-et-sportives-ufr-staps), à l'occasion de la 5ᵉ édition de la [résidence d'artiste Arts & Sciences_](https://www.univ-lyon1.fr/actualites/actu-recherche/residences-de-creation-artistique-a-lyon-1) à Lyon 1 Université autour du thème "Regards inclusifs".

"Le sport n’est jamais seulement affaire de performances ou de règles. Il est aussi un espace où se rencontrent, se confrontent et parfois se brouillent les représentations du masculin et du féminin. Un espace où se dessinent des rapports de pouvoir, des habitudes, des résistances, mais aussi de nouvelles façons d’être ensemble..
Tim Douet s’est intéressé aux corps, bien sûr, mais aussi aux mots, aux regards, aux postures et aux silences. À tout ce qui, parfois à notre insu, révèle la manière dont nous prenons place parmi les autres.
Chaque image a ainsi été pensée comme une respiration, un espace d’arrêt"
Anaïs Viand, Commissaire d'exposition_

Une exposition à découvrir du 5 octobre au 12 novembre 2026.

Vernissage

Mercredi 7 octobre 2026 à 18h

Café Photo

Lundi 12 octobre 2026 à 12h

Une exposition en résonance avec la (https://www.labiennaledelyon.com/) de Lyon et labellisée (https://bicentenairephotographie.culture.gouv.fr/).