Vie locale à L'Isle-Adam et alentour

Raconte-tapis et activités pour s’éveiller et s’émerveiller !

Les bébés de 6 mois à 3 ans sont les bienvenus au musée le lundi 16 novembre de 10h à 11h. Installés autour d’un tapis d’éveil pas comme les autres, ils pourront écouter l’histoire d’un petit coquillage qui, tout comme eux, grandit. Des figurines et des comptines soutiendront leur attention tandis que leur seront remis des objets curieux afin de les aider dans leur exploration.

Ce petit moment d’immersion aquatique sera suivi d’une expérimentation artistique durant laquelle les bébés pourront manipuler et créer avec l’élément eau. Une découverte par les sens de la vie sous-marine devant un décor féérique.

Gratuit sur inscription à reservation@musee-nacre.fr

Exposition temporaire du peintre/illustrateur Haffner. Musée des cultures fluviales, musée technique et de société, le musée de la batellerie et des voies navigables témoigne de l’histoire des transports mais aussi de celle des loisirs nautiques. À côté des maquettes, des machines ou encore des bateaux, ses collections de peintures ou de sculptures, ses gravures et ses affiches reflètent les regards portés sur les activités fluviales par les artistes. Avec passion, poésie, humour, Léon Haffner (1881-1972) a dessiné et illustré la navigation de plaisance sur la Seine, qu’il a pratiquée durant un demi-siècle à Chatou, Triel, aux Mureaux et aux Andelys, et même à Paris ! Le musée a invité Denis-Michel Boëll et François Laurent, auteurs des plus récentes recherches sur cet « imagier des marines » à rassembler pour nous un florilège de sa production.

Usages et élégance au quotidien Plongez dans l'univers raffiné des dames de la haute société sous le Second Empire ! Le Musée de la Dentelle de Chantilly vous invite à découvrir les usages vestimentaires qui rythmaient chaque instant de la vie mondaine : des promenades matinales aux bals somptueux, en passant par les réceptions officielles. Et au cœur de cette mode, une pièce incontournable : la crinoline.
Véritable emblème des années 1850-1870, la robe à crinoline incarne le faste de l'ambiance impériale. Fruit de la Révolution industrielle, elle devient aussi un écrin idéal pour les créations des industries du luxe et du textile — où brillent les dentelles de soie, et tout particulièrement la précieuse dentelle de Chantilly.
12 reproductions de tenues féminines vous attendent pour faire revivre une mode en perpétuelle évolution, miroir d'une bourgeoisie en plein essor et de la modernité du XIXe siècle.
Site web :
[https://www.chantilly-senlis-tourisme.com/agenda/exposition-la-mode-sous-le-second-empire-usages-et-elegance-au-quotidien-au-musee-de-la-dentelle-de-chantilly/occ/29/](https://www.chantilly-senlis-tourisme.com/agenda/exposition-la-mode-sous-le-second-empire-usages-et-elegance-au-quotidien-au-musee-de-la-dentelle-de-chantilly/occ/29/)

Découvrir les objets archéologiques du musée dont il ne reste que des fragments ! Cette visite est accessible aux enfants dès 4 ans. Tout en observant différents objets fragmentaires des collections, les enfants pourront chacun reconstituer pendant la visite autant de puzzles afin de reconstituer fresques, squelettes ou encore la fameuse girouette du château d'Orville !

A partir de 4 ans, en présence d'un guide-animateur.

Pour en savoir plus (https://archea.roissypaysdefrance.fr/activites/visites-familiales).

Une visite où les rôles s'inversent : à vous de répondre aux questions du médiateur ! Lors de cette visite à travers l' (https://archea.roissypaysdefrance.fr/expositions/exposition-permanente) on inverse les rôles : à vous de répondre vrai ou faux aux questions préparées par un médiateur du musée !
Les Hommes préhistoriques allumaient-ils le feu à l'aide de silex ? Le peuple gaulois des Parisii raffolait-il des sangliers ? Le château d’Orville a-t-il été détruit par les Anglais au Moyen Âge ?
Une occasion inédite de connaitre mieux les sociétés qui ont peuplé par le passé le territoire actuel du Pays de France.
(https://archea.roissypaysdefrance.fr/activites/visites-familiales)

Pour une découverte du musée et de ses collections. Une visite guidée à travers les (https://archea.roissypaysdefrance.fr/expositions/exposition-permanente) du musée.

Plus d'infos sur les (https://archea.roissypaysdefrance.fr/activites/visites-familiales)

Une visite pour découvrir la variété des vestiges archéologiques, grâce à 10 objets soigneusement choisis. L'histoire et l'archéologie en Pays de France à travers 10 objets emblématiques du musée. Une visite à travers [l'exposition permanente](https://archea.roissypaysdefrance.fr/expositions/exposition-permanente), au sein des parcours chronologique et thématique.
À partir de 8 ans.

Plus d'infos (https://archea.roissypaysdefrance.fr/activites/visites-familiales).

Musée de l'Air et de l'Espace du Bourget Aéroport de Paris-Le Bourget, Le Bourget Le samedi 14 novembre, l’élégante salle des Huit Colonnes du musée vibrera au son des platines le temps d’une soirée DJ set inédite ! Une expérience immersive qui accompagnera une programmation riche autour de l’exposition temporaire Cap sur l’IA : venez en apprendre plus sur l’intelligence artificielle lors de la…

Léna d'Azy Avec « Poste Restante », sa 10e création, Cécile Léna propose de nouvelles scénographies immersives avec pour fil rouge l’Aéropostale : la première ligne aérienne transatlantique consacrée au service postal. Un itinéraire long de 12 000 kilomètres, reliant Toulouse à Santiago du Chili, initiée par Pierre-Georges Latécoère en 1918.
Ce voyage est imaginé sous la forme de huit espaces scéniques, des architectures miniatures animées traversées de son, de lumière et de voix. Chacune de ces « Escales de la Ligne » porte un récit - ceux de Saint-Exupéry, Kessel, Mermoz, et des villes jalonnant le parcours de l’Aéropostale.
À chaque étape, le public rencontre ces aventuriers du ciel, personnages réels ou fictifs, pionniers de l’aviation, transportant des lettres au péril de leur vie. Le parcours prend fin dans le cockpit d’un avion, invitant le public à vivre au plus près l’épopée de ces héros.
Durée : 50 minutes
Plus d'informations : [https://www.lenadazy.fr](https://www.lenadazy.fr)

Des exercices simples de respiration, d’attention et de mouvements doux. La méditation soufie Tamarkoz invite les participants à ralentir et créer un espace de détente et de bien-être au sein du musée. Aucun pré-requis. Accessible à tous.
Ce Billet Donne Accès à L’Ensemble de L’Exposition et au Jardin.

Méditation (Pack 10 séances)
Valable pour 10 séances au choix et sans réservation préalable jusqu'au 12 septembre 2027 pour les programmes :
\- Découverte de la méditation soufie
\- Art-thérapie : méditation sur l'oeuvre
\- Marche et méditation en bord de Seine

Quand l’œuvre d’art devient un espace d’exploration intérieure. Au cœur du musée, cette séance de méditation guidée invite à une rencontre singulière avec une fresque contemporaine inspirée de La Conférence des oiseaux, grand poème de la tradition soufie.
Pendant une heure, le corps, le souffle et l’attention sont progressivement mobilisés à travers des exercices simples (relaxation, mouvements, respiration) pour entrer en relation avec l’œuvre autrement. Peu à peu, le regard se transforme : ce que l’on observe à l’extérieur devient un miroir de ce qui se joue à l’intérieur.
Comme les oiseaux représentés sur la fresque, les visiteurs sont invités à explorer leur état intérieur et à faire l’expérience de la détente et de la concentration. Peu à peu, ils expérimentent un état plus rassemblé, plus présent.
Un moment suspendu, à la croisée de l’art et de la méditation, pour ralentir et ressentir.
Intervenante : Alexandrine Bay
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Ce Billet Donne Accès à L’Ensemble de L’Exposition et au Jardin.

Une approche globale, du corps au cœur accessible à tous Un cycle structuré en cinq thématiques complémentaires pour explorer le corps, le souffle et la présence à travers la méthode de méditation soufie Tamarkoz®, une pratique intégrant mouvement doux, respiration, relaxation, concentration et méditation.

Ce parcours progressif propose une découverte approfondie de chacune de ces dimensions, articulées au sein d’une approche structurée et accessible à tous.
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1\. Le mouvement (Movazeneh)
Les mouvements de la méthode Tamarkoz® peuvent être dynamiques et énergisants ou plus lents et méditatifs. Associés à la respiration et à une attention soutenue, ils favorisent la circulation, la mobilité, la souplesse et une meilleure perception du corps.

Dimanche 11 octobre 2026 (10h – 12h)
Dimanche 14 mars 2027 (10h – 12h)
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2\. La respiration
Découvrir le souffle comme un outil naturel permettant d’agir sur les tensions, l’énergie, le système nerveux et l’état mental.

Dimanche 8 novembre 2026 (10h – 12h)
Dimanche 25 avril 2027 (10h – 12h)
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3\. La relaxation
Relâcher progressivement les tensions physiques et mentales et créer les conditions d’une détente plus profonde.

Dimanche 6 décembre 2026 (10h – 12h)
Dimanche 16 mai 2027 (10h – 12h)
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4\. La concentration
Rassembler une attention souvent dispersée, développer la présence et retrouver davantage de clarté intérieure.

Dimanche 10 janvier 2027 (10h – 12h)
Dimanche 13 juin 2027 (10h – 12h)
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5\. La méditation
Réunir le mouvement, le souffle, la détente et la concentration pour aller vers une expérience plus profonde de présence et de calme intérieur.

Dimanche 28 février 2027 (10h – 12h)
Dimanche 4 juillet 2027 (10h – 12h)

Jeudi 26 novembre à 18h30
dans la salle bleue
sur inscription

En cette année de célébration du bicentenaire de sa naissance (1826-1898), le musée national Gustave Moreau inaugure un nouveau format de programmation autour d’une « carte blanche », confiée à un artiste contemporain et conçue en dialogue avec l’œuvre de ce créateur visionnaire.

Thématique : À la découverte du Musée La formation vous propose de rencontrer nos équipes pour vous présenter les offres champ social de la Philharmonie de Paris puis de suivre une visite-découverte « À la découverte du Musée », guidée par un conférencier, afin de vous familiariser avec la collection permanente et vous donner des clés pour reproduire une visite libre avec un groupe.

Pour accompagner en 2025 le 30e anniversaire de la Cité de la musique et le 10e anniversaire de la Philharmonie, le Musée dévoile la nouvelle présentation de sa collection. Plus inclusive, la… Musée national riche d’une collection de près de 9 000 instruments et œuvres d’art, le Musée de la musique s’inscrit pleinement dans le quotidien de la Philharmonie, dont il nourrit l’ambition patrimoniale. Le Musée conserve en effet l’un des ensembles d’instruments les plus importants au monde, tant du point de vue de la rareté que de la diversité des objets.

Le nouveau parcours du Musée déploie une vaste histoire de la musique dans le monde, de la fin du XVIe siècle à nos jours. La collection illustre la « modernité » musicale explorée en Europe, depuis la Renaissance jusqu’aux expériences contemporaines et électroniques. Elle souligne en regard la richesse et la vitalité des cultures musicales d’Asie, d’Afrique, d’Océanie et des Amériques. Avec cette nouvelle muséographie plus inclusive, le parcours favorise la reconnexion des patrimoines musicaux à travers le monde, tout en illustrant leurs évolutions historiques et leurs dynamiques contemporaines.

La scénographie inclut des dispositifs multimédias. (Https://philharmoniedeparis.fr/fr/agenda-selection/musiciens-au-musee). Il joue, parle de son instrument et échange avec le public. Lors des concerts-promenades ou des contes en musique organisés le dimanche après-midi, tous les espaces bruissent de paroles et de sons. À tout moment, la visite du Musée, ouverte à tous, petits et grands, est une vraie expérience musicale !

Polyphonie

Le parcours débute par un vaste cabinet de curiosités, célébrant la diversité de la collection du Musée. Des instruments de musique d’époques multiples et de toutes origines côtoient des tableaux, sculptures, ou des outils de luthier. Ces objets sont remarquables par le savoir-faire de leurs auteurs, leurs formes ou décors insolites, leur appartenance à des personnalités du monde musical ou leur importance historique.

Musique et pouvoir

Au XVIIe siècle, de Mantoue à Versailles, tout comme en Inde du Nord ou dans l’Empire ottoman, se développe une musique de cour raffinée au service des souverains. La maquette de la salle du palais de Mantoue évoque la représentation en 1607 de L’Orfeo_ de Claudio Monteverdi, considéré comme le premier opéra de l’histoire. Une collection unique d’instruments témoigne des pratiques musicales de l’époque : claviers, luths, cornets à bouquin, cistres…

Au château de Versailles, Louis XIV favorise l’épanouissement de la musique baroque. Parallèlement, les mondes de l’art, et notamment celui de la facture instrumentale, bénéficient de l’essor des routes commerciales qui relient les continents. Motifs et matériaux circulent aussi bien que les objets : ivoire, ébène, nacre ou écailles se retrouvent sur les violes et les guitares européennes comme sur les prestigieux instruments des cours mogholes.

L’imaginaire des Lumières

Au XVIIIe siècle, en France, la musique quitte peu à peu la cour. Les salons des aristocrates et bourgeois cultivés favorisent l’essor de la musique instrumentale. On y joue du clavecin, de la harpe… L’époque est également marquée par une vision idéalisée de la nature, qui fait naître au sein des sociétés cultivées la vogue des musiques pastorales.

Les décors d’« africanerie », de « chinoiseries » et le style musical « alla turca » émergent dans un contexte d’explorations, d’échanges commerciaux mais aussi d’esclavage. L’évolution du goût musical vers une plus grande expressivité favorise l’apparition d’un nouvel instrument, le piano-forte. Les concerts publics se développent, dont ceux du Concert Spirituel, et accueillent des musiciens étrangers renommés comme Joseph Haydn et Wolfgang Amadeus Mozart.

L’Empire de la musique

Le violon, qui occupe une place centrale dans le répertoire et l’orchestre classique européen, a voyagé et…

Posez vos questions à Sarah Coupechoux, responsable de la mission Europe chez la Fondation pour le logement des défavorisés. La crise du logement est devenue un enjeu social et économique majeur dans de nombreux États membres. Hausse des prix, manque de logements abordables, croissance exponentielle des logements touristiques courte durée et difficultés d'accès au logement pour les jeunes alimentent un sentiment de déclassement à travers l’Europe.
Longtemps considérée comme une compétence essentiellement nationale, la question du logement s'impose progressivement dans l'agenda européen. Avec son Plan européen pour le logement abordable et sa proposition de recommandation sur l'exclusion liée au logement, la Commission cherche à mobiliser les financements européens, soutenir la construction et renforcer la coopération entre États membres.

Dans ce contexte, plusieurs questions se posent :
• La crise du logement est-elle désormais un problème réellement européen, appelant une réponse européenne ?
• Quelles réponses peut apporter l'Union européenne pour répondre à cette crise du logement ? Peut-elle réellement agir sur le logement sans empiéter sur les compétences nationales et locales ?
• Au-delà du manque de construction, que faire du mal-logement, des passoirs thermiques, que fait l'UE sur le sujet ?

Posez vos questions à Sarah Coupechoux, responsable de la mission Europe chez la Fondation pour le logement des défavorisés.

Le Musée d’Art Moderne de Paris entretient, par son histoire, un lien privilégié avec le groupe Supports/Surfaces, qu’il présenta pour la première fois sous cette appellation à l’ARC en 1970. Parmi… Fils du peintre Georges Dezeuze (1905-2004), il suit librement les cours des Beaux-Arts de Montpellier, où il rencontre Arnal, Bioulès, Grand, Rouan et Viallat. Son séjour au Mexique en 1964‑65 marque profondément sa peinture, nourrie des cultures préhispaniques. En Amérique du Nord il découvre ensuite l’école de New York, de Pollock à Rothko.

Installé à Paris en 1967, il élabore avec Saytour et Viallat les bases de Supports/Surfaces, menant une réflexion radicale sur l’avenir de la peinture. Cette remise en question de la structure traditionnelle du tableau l’amène à concentrer son travail sur le support lui‑même. Il entreprend alors une véritable « déconstruction » de la toile envisagée comme objet, affirmant le matérialisme des œuvres et la primauté du processus de création.

Dezeuze quitte le groupe en 1972 et poursuit une recherche personnelle centrée sur la construction du tableau, la fragilité des matériaux, l’économie des moyens et une expérimentation continue.

Vingt œuvres récentes rejoignent aujourd’hui les collections du Musée d’Art moderne, une acquisition exceptionnelle qui permet de retraçer son parcours depuis 1982. Elles témoignent de son goût pour le remploi (portes, panneaux, skis), l’assemblage, la couleur génératrice de formes et l’importance du vide. Les références à l’histoire de l’art (Mondrian), au Moyen Âge, aux cultures mésoaméricaines ou à la calligraphie traversent et nourrissent l’ensemble de son travail des quarante dernières années.

Depuis le milieu des années 1980, Stéphane Bordarier (né en 1953) développe une œuvre s’inscrivant dans cette mouvance historique qui voit la peinture devenir son propre sujet. Singulière dans le… Réduisant progressivement son langage pictural à l’essentiel — une couleur, une forme — Stéphane Bordarier explore les potentialités d’une peinture à la fois rigoureuse et profondément sensible. Ses œuvres naissent d’un processus immuable : sur une toile tendue sur châssis et enduite de colle de peau tiède, il applique le pigment pendant le temps de prise de la colle. L’artiste se dit alors « chassé » de la toile par la matière qui se fixe, déterminant l’achèvement du tableau : couleur et forme s’accordent dans une résolution propre à chaque œuvre. Généralement réduite à une seule tonalité, la surface de la toile acquiert, par l’imprégnation du pigment mêlé à la colle, un aspect mat et une intensité particulière. Le tableau se construit ainsi dans une relation étroite au temps.

Dans la série des Noires, la couleur, issue d’un mélange de deux tons à même la toile, n’apparaît jamais comme une valeur fixe ou absolue mais révèle une profondeur chromatique subtile. Ces œuvres, traversées de nuances changeantes, sensibles à la lumière et au déplacement du regard, laissent percevoir leur processus de réalisation.

Pendant près de trente ans, la Galerie Jean Fournier à Paris a accompagné et présenté le travail de Stéphane Bordarier. Il est aujourd’hui représenté par la Galerie Dina Vierny.

Grâce à une acquisition récente complétée par un don de l’artiste, cinq œuvres de Stéphane Bordarier ont intégré les collections du musée en 2026. Elles sont présentées ici aux côtés de plusieurs prêts provenant de l’atelier, offrant un aperçu significatif de son parcours et de ses recherches picturales.

Le Petit Palais présente une monographie inédite consacrée à la peintre Eva Gonzalès (1847-1883), avant une étape au Van Gogh Museum d’Amsterdam en février 2027. Contemporaine de Mary Cassatt et de… Cette artiste à la sensibilité subtile fut l’unique élève d’Édouard Manet, avec lequel elle entretint une relation artistique exceptionnelle. Soutenue par un cercle familial attentif et cultivé, elle parvint à imposer sa voix singulière dans un siècle qui laissa peu de place aux femmes artistes. Réunissant près de 100 œuvres – peintures, pastels et gravures –, l’exposition rend hommage à une artiste au talent affirmé, disparue prématurément à l’âge de 36 ans.

Le parcours chronologique retrace sa trajectoire et invite à découvrir une personnalité déterminée, en pénétrant au cœur de son univers intime.

Une bourgeoise formée par Charles Chaplin et Edouard Manet

Issue d’un milieu bourgeois cultivé, Eva Gonzalès bénéficie très tôt d’un environnement propice à l’épanouissement de sa vocation artistique. Son père, Emmanuel Gonzalès, journaliste et homme de lettres reconnu, évolue au cœur de la scène artistique parisienne, tandis que sa mère, Céline Ragut, musicienne, tient un salon fréquenté par le tout-Paris littéraire et mondain.

Formée dans l’atelier de Charles Chaplin, la jeune peintre s’en affranchit rapidement pour affirmer un style personnel et sensible perceptible dans des œuvres telles que La Psyché (vers 1869-1870, National Gallery, Londres), La Fenêtre (vers 1865-1870, Denver Art Museum) ou Le Moineau (vers 1865-1870, collection particulière).

Sa rencontre avec Édouard Manet en 1869 marque un tournant décisif dans son parcours : elle devient alors sa seule élève et l’un de ses modèles, tout en poursuivant avec détermination une carrière indépendante. Eva Gonzalès expose régulièrement au Salon entre 1870 et 1883, sans rejoindre le groupe impressionniste. Elle y présente notamment Une loge aux Italiens (1874, musée d’Orsay, Paris) ou Le Clairon (1870, musée de Gajac, Villeneuve-sur-Lot), œuvres où affleure l’influence manifeste de Manet, aussi bien dans le choix des sujets que dans la liberté de la touche.

Une figure essentielle de la peinture de son temps

L’exposition met en lumière une œuvre subtile et intime, attentive aux figures féminines et à la vie quotidienne. Scènes d’intérieur baignées de lumière, portraits empreints de grâce et paysages peints sur les côtes normandes composent un univers pictural d’une grande finesse, comme en témoignent Jeune fille au réveil (1877- 1878, Kunsthalle, Brême) ou Miss et bébé (1877-1878, National Gallery of Art, Washington).

En 1879, Eva Gonzalès épouse le peintre et graveur Henri Guérard. Leur relation, nourrie d’échanges artistiques constants, témoigne d’une véritable complicité intellectuelle et affective. Sa sœur Jeanne, à la fois modèle, élève et confidente, occupe également une place essentielle dans son œuvre. On la retrouve, représentée vêtue de la robe de mariée d’Eva Gonzalès, dans une troublante mise en abyme que vient encore accentuer le destin : quelques années après la disparition prématurée de l’artiste, Jeanne épousera à son tour Henri Guérard.

En 1883, la carrière d’Eva Gonzalès s’interrompt brutalement : elle meurt quelques jours après la naissance de son fils, peu après la disparition d’Édouard Manet. Malgré une réception critique favorable de son vivant et une rétrospective organisée aux salons de La Vie moderne à Paris en 1885, son œuvre tombe progressivement dans l’oubli.

Longtemps restée dans l’ombre des grands récits de la modernité, Eva Gonzalès apparaît aujourd’hui comme une figure essentielle de la peinture de son temps. Cette exposition entend lui redonner toute sa place dans l’histoire de l’art et révéler, à travers la singularité de son regard, l’éclat d’une œuvre trop longtemps méconnue. En contrepoint, des œuvres de Berthe Morisot, Mary Cassatt et Marie Bracquemond éclairent les trajectoires croisées de ces artistes et les conditions de leur…

Suivez une formation gratuite, non obligatoire, qui vous donnera toutes les informations utiles pour revenir avec votre groupe, en autonomie ou en activité. En tant que relais du champ social, découvrez l'exposition temporaire "[L'appel des profondeurs](https://www.musee-marine.fr/nos-musees/paris/expositions-et-evenements/les-expositions/lappel-des-profondeurs-une-aventure-sous-les-mers-de-lantiquite-a-nos-jours.html)" qui explore la fascination humaine pour les fonds marins, entre sciences et imaginaires.
Sur réservation. Dans la limite des places disponibles. La formation n'est pas obligatoire pour revenir en visite libre.

Le Grand Palais présente Le Musée Imaginaire d’Oli, une exposition conçue par l'artiste et musicien Oli (Bigflo & Oli), avec la complicité de Jérôme Sans. De salle en salle, traversez les états intérieurs qui font naître une œuvre : inspiration, doute, regard des autres, refuge et transmission. Un parcours entre les mondes qui ont façonné Oli.

Cette formation est l’occasion de découvrir la nouvelle exposition temporaire du Musée de l’Homme, consacrée aux « drogues », présentée du 18 novembre 2026 au 7 juin 2027. À travers un éclairage scientifique, cette exposition propose de décrypter et de déconstruire les représentations associées à ces substances, afin de mieux comprendre les multiples facettes de ce phénomène de société vieux de plusieurs millénaires.

Venez découvrir la nouvelle exposition du Musée de l'Homme "Drogues" \-14h - 15h : présentation de l'exposition par les commissaires scientifiques
\-15h - 16h : présentation de l'offre de médiation pour les scolaires et des ressources pédagogiques
\-16h - 17h : départ en visite guidée en deux groupes (15 min de décalage)

Le Musée des Égouts vous propose une visite libre et gratuite de ses installations, révélant les secrets d'un réseau souterrain vieux de 150 ans. Laissez-vous captiver par ce lieu mystérieux qui allie héritage historique et innovations modernes. Admirez le bâtiment entièrement rénové, désormais visible depuis les rives de la Seine, témoignage de l'évolution constante de cette infrastructure urbaine essentielle.

Que vous soyez passionné d'ingénierie, curieux de l'histoire parisienne, ou simplement en quête d'une expérience insolite, cette visite vous promet des découvertes fascinantes. Explorez les galeries souterraines, découvrez les défis techniques de la gestion des eaux usées, et comprenez comment la science façonne notre vie quotidienne, même dans ses aspects les plus inattendus.

Ne manquez pas cette opportunité unique de voir Paris sous un nouvel angle et de participer à un événement scientifique captivant. La Fête de la Science au Musée des Égouts : une plongée inoubliable dans les entrailles de la capitale !

Des gestes de nos mondes Des gestes de nos mondes
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Exposition collection en partenariat avec le 32 bis (Tunis)

Co-commissariat : Hela Djobbi, directrice artistique du 32bis à Tunis, Salma Kossemtini, commissaire indépendante et Cindy Olohou, responsable collection du Frac

L'exposition collective Des gestes de nos mondes_ se déploie du 13 septembre au 14 novembre 2026 à Romainville (93), aux Réserves du Frac Île-de-France, puis en 2027 à Tunis, au sein du 32bis. Cette collaboration, initiée dans le cadre de la Saison Méditerranée, programme de coopération culturelle porté par l'Institut français avec les pays des deux rives de la Méditerranée, met en dialogue des œuvres de la collection du Frac avec les pratiques d'artistes basés en Tunisie ou originaires de la rive sud de la Méditerranée, autour de l'archive comme matière vivante et en constante réactivation.
À travers collecte, témoignage et création, les artistes de l'exposition s'emparent de la mémoire — familiale, historique, collective ou territoriale — pour en recomposer les récits et en imaginer d'autres. Des gestes de nos mondes_ réexamine ainsi la fabrique d'histoires dans un contexte méditerranéen pluriel, entre gestes artistiques et archives du quotidien.

Avec les œuvres de :
Alex Ayed\, Ahmed Ben Nessib, Chams Barkaoui, Safouane Ben Slama\ Djabril Boukhenaïssi\, Nidhal Chamekh, Dhia Dhibi, Férielle Doulain Zouari, Eve Gabriel Chabanon\, Wiame Haddad\, Kapwani Kiwanga\, Wafa Lazhari, Dalila Mahdjoub\\, Aymen Mbarki, Fanny Souade Sow\, Bochra Taboubi, Djamel Tatah\, Bochra Triki.
\Œuvres de la collection du Frac Île-de-France
\\ Prêt du Frac Nouvelle-Aquitaine Méca

Une visite adaptée aux besoins des plus jeunes visiteurs, et de leurs parents ! Un conteur vous accompagne pour une première découverte du musée, en histoires et en chansons.

Du 15 octobre 2026 au 5 avril 2027, en boite arts graphiques, musée du quai Branly - Jacques Chirac Du 15 octobre 2026 au 5 avril 2027, en boite arts graphiques, musée du quai Branly - Jacques Chirac
À la fin du XIXᵉ siècle, Français et Britanniques se disputent la souveraineté sur l’archipel des Nouvelles-Hébrides, futur Vanuatu, situé à proximité de la Nouvelle-Calédonie. Cette rivalité coloniale, nourrie par l’action des missions religieuses et par des intérêts commerciaux concurrents, conduit à la mise en place d’un régime unique de co-administration : le condominium franco-britannique, instauré en 1906 et maintenu jusqu’à l’indépendance en 1980.
Composée d’albums, de tirages issus de collections historiques ou de fonds récemment acquis, cette présentation rassemble les plus anciennes photographies du Vanuatu conservées par le musée. Réalisées en l’espace d’une décennie, entre 1885 et 1895, par des opérateurs aux parcours variés - Français ou Britanniques, amateurs ou professionnels - elles donnent à voir le territoire et les communautés ni-Vanuatu dans un contexte de tensions coloniales.
Commissaires : Carine Peltier-Caroff, responsable de l'iconothèque, musée du quai Branly - Jacques Chirac et Marie Durand, Maîtresse de conférences en anthropologie à l'Institut d'ethnologie de l'Université de Strasbourg, Laboratoire interdisciplinaire en études culturelles (UMR7069).

À travers ses pièces Irene Abello invite à porter une attention aiguë aux variations insaisissables du réel qui se manifestent dans notre quotidien. Commissaire : Maëlle Dault

Irene Abello est née à Bogotá en Colombie en 1995. Elle est diplômée de l’École des Beaux-Arts de Paris en 2021. Elle vit à Paris et travaille à Bobigny (Le Wonder). Elle travaille à partir de phénomènes naturels éphémères, parfois à peine perceptibles, qu’elle traite comme des matériaux à sculpter. Par des gestes minimaux, elle cristallise les transformations physiques de la matière et transpose nos expériences perceptives dans des installations, des photographies et des vidéos. Ses pièces invitent ainsi à porter une attention aiguë aux variations insaisissables du réel qui se manifestent dans notre quotidien.

À l’heure où les dérèglements climatiques bouleversent des millions de vies et contraignent des populations entières à l’exil, les forces de la nature se manifestent avec une intensité inédite. C’est de cette matière mouvante et imprévisible que le travail d’Irene Abello se nourrit. En saisissant les métamorphoses de l’eau, de l’air, de la lumière ou du feu, l’artiste donne forme à ce qui échappe habituellement au regard. Ses œuvres révèlent ainsi la fragilité des équilibres naturels et nous invitent à envisager, dans le détail d’une transformation presque imperceptible, les grands bouleversements de notre monde. Là où les catastrophes climatiques constituent les symptômes visibles d’une nature saturée par les excès de notre système, le travail d’Irene Abello en explore les signes plus subtils, faisant de l’attention une expérience à la fois poétique et politique.

Rendez vous

Conversations de Plateau
Rencontre commissaire-artiste Project Room

Mercredi 7 octobre, 19h30

Gratuit sans réservation

L’année 2026 sera celle du centenaire de la mort du peintre Claude Monet (1840-1926). Pour marquer cet anniversaire, le musée de l’Orangerie organise une exposition centrée sur le rapport de l’œuvre de Monet au temps.…

Qu'est-ce que le musée de l'Orangerie propose aux groupes du champ social ? Comment réserver et préparer votre visite de groupe ? Professionnels et bénévoles du champ social, vous êtes au plus proche de vos publics. Le musée de l'Orangerie vous donne les outils pour faire de chaque visite un moment d’éveil, d’échange et de plaisir.
Venez (re)découvrir le musée, préparer vos prochaines sorties et obtenir le (https://www.musee-orsay.fr/fr/articles/passpartage-lart-des-rencontres-281731).
\> (https://crm.e-deal.net/epmoo/view_digitalform.fl?code=MED_FI_FCS_271126)

Qu'est-ce que le musée de l'Orangerie propose aux groupes du handicap et de la santé ? Comment réserver et préparer votre visite de groupe ? Professionnels et bénévoles du handicap et du médico-social, vous êtes au plus proche de vos publics. Le musée de l'Orangerie vous donne les outils pour faire de chaque visite un moment d’éveil, d’échange et de plaisir.
Venez (re)découvrir le musée, préparer vos prochaines sorties et obtenir le PassPartage.
Vendredi 11 décembre de 15h à 17h30
\> (https://crm.e-deal.net/epmoo/view_digitalform.fl?code=MED_FI_FHS_111226)

L'exposition de la vingtaine d'œuvres de Séraphine Louis au Centre Pompidou-Metz est l'occasion de redécouvrir les tableaux de l'artiste grâce à un videomapping immersif ! À partir de la mi-octobre, la vingtaine d’œuvres de Séraphine Louis conservées au musée d’Art et d’Archéologie quittera temporairement Senlis pour rejoindre le Centre Pompidou-Metz, qui consacrera à l’artiste une grande rétrospective intitulée « Séraphine Louis. De Senlis et sans rivale » (31.10.2026 > 12.04.2027). Cette exposition - que nous vous conseillons d’aller voir ! - réunira pour la première fois 80 œuvres provenant des principales collections publiques et privées, confirmant la place incontournable de Séraphine Louis dans l'histoire de l'art.
L’art de Séraphine Louis continuera néanmoins d’habiter les salles du musée d’Art et d’Archéologie, grâce à la présentation du videomapping « Dans les mains de Séraphine ». Cette expérience immersive (sans supplément sur le billet d’entrée) est une manière originale de (re)découvrir l’artiste, avant son retour en mai 2027.

Des œuvres du musée de Chaalis entrent en résonance avec le parcours permanent du musée d’Art et d’Archéologie, à partir du mois de novembre 2025. Niché au cœur de la forêt d’Ermenonville, le domaine de Chaalis réunit des vestiges et bâtiments du XIIe siècle au XVIIIe siècle. Arpenter ce site, c’est découvrir les ruines de l’église et du cloître gothique, la chapelle et ses exceptionnelles fresques du Primatice (Bologne, 1504 – Paris, 1570), ainsi que la très riche et éclectique collection de Nélie Jacquemart-André (Paris, 1841-1912) dans le musée-château. Un « Jardin remarquable » complète l’ensemble.
Née en 1841, Nélie Jacquemart-André passe une partie de son enfance à Chaalis, auprès de sa protectrice, Madame de Vatry (Ermenonville, 1802-1881). Le domaine de Chaalis, alors transformé en résidence de chasse, est un lieu de rencontre incontournable. La jeune Nélie y développe ses aptitudes en dessin. Élève de Léon Cogniet (Paris, 1794-1880), elle apprend la peinture à « l’atelier des femmes », fondé par Marie-Amélie Cogniet (Paris, 1798-1869). Artiste reconnue, Nélie Jacquemart expose à plusieurs reprises au Salon et devient la portraitiste du Tout-Paris sous le Second Empire et la IIIe République. Elle épouse en 1881 Édouard André (Paris, 1833-1894), héritier d’une dynastie de banquiers. Tous deux passionnés d’art, ils transforment leur hôtel particulier au 158 boulevard Haussmann en un écrin pour leur collection. Après la mort de son mari en 1894, Nélie poursuit l’enrichissement de leur collection, grâce aux conseils de marchands d’art de renom, d’Europe et d’Asie. Elle acquiert le domaine de Chaalis en 1902 et y rassemble plus de 6000 œuvres de toutes les époques et de tous les continents, suscitant l’admiration des visiteurs depuis plus d’un siècle.
L’Institut de France a entrepris depuis plusieurs années d’importants travaux d’aménagement et de restauration, au sein du domaine. En parallèle, un ambitieux programme muséographique a été élaboré. Cette réflexion s’appuie sur un chantier des collections conséquent, comprenant la manutention de plus de 4000 œuvres et objets.
Durant ces travaux, une cinquantaine d’œuvres sont présentées dans des institutions partenaires : le musée Condé du château de Chantilly, le musée de l’Oise (Beauvais), le musée de l’archerie et du Valois (Crépy-en-Valois), le château d’Écouen – musée national de la Renaissance, le Palais des Beaux-Arts de Lille, le musée de Cluny – musée national du Moyen Âge, le château de Versailles, ainsi que le musée M de Louvain (Belgique).
Au musée d’Art et d’Archéologie de Senlis, douze œuvres viennent enrichir le parcours permanent pour une durée de deux ans. Peintures italiennes et flamandes et objets d’archéologie antique et médiévale entrent en résonance avec les collections et offrent un aperçu de la richesse du patrimoine conservé dans l’Oise.

Un jeudi par mois, les musées vous initient à l'histoire de l'art. En novembre, plongez dans l'intimité des artistes, des modèles et des peintres. Comment l'intérieur devient un sujet à part entière ? Un jeudi par mois, à 14h30 puis à 18h30, les musées vous proposent une initiation à l'histoire de l'art. À travers les collections, les expositions temporaires et quelques sujets emblématiques, vous apprendrez à lire une œuvre, à reconnaître les techniques et à vous interroger sur les genres et les courants artistiques.
Au mois de novembre, ce sont les intérieurs qui nous intéressent : la vie quotidienne devient un sujet de prédilection, adoré par les artistes et les collectionneurs et les artistes... Bien avant l'ère d'Instagram !

Une visite à quatre pattes en immersion dans le jardin de Monet à Giverny. Réservez vos places à l'avance car elles partent très vite !

photographe Plus de 200 tirages sont exposés et mis en regard de photographies du musée, depuis les plus grandes couvertures des plus grands magazines de mode, aux portraits des stars internationales de la pop culture comme Rihanna, Harry Styles et Beyoncé, en passant par les campagnes qu’il compose pour de grandes maisons. En ressort un style coloré et puissant, créant des images fortes et uniques.

L’histoire personnelle de Rafael Pavarotti, né dans l’État de Pará dans la forêt amazonienne en 1993, résonne dans son approche de la photographie. Les femmes fortes de sa famille, la vaisselle aux couleurs vives et colorées de sa grand-mère mais aussi l’environnement naturel dans lequel il a grandi occupent une place importante dans ses sources d’inspiration.

Site web :
[https://madparis.fr/Rafael-Pavarotti-photographe](https://madparis.fr/La-Mode-en-majeste-Haute-couture-et-tradition-a-la-cour-de-Thailande)

Et si vivre plus longtemps en bonne santé était accessible à tous ? Échangez avec des experts. Gratuit sur inscription. Trop jeune pour vieillir ! Certains veulent rester longtemps en bonne santé, d’autres refusent de porter le poids des ans. À l’occasion du 14ème colloque de la Fondation PiLeJe, nous explorerons les enjeux de l’espérance de vie en bonne santé.
Vous souhaitez en savoir plus ?
La Fondation PiLeJe vous invite le mardi 8 décembre, de 9h à 12h30 en présentiel à la Maison de la Chimie (28 rue Saint Dominique 75007 Paris) ou en digital en direct. Ce colloque sera co-animé par Emmanuelle Leclerc, déléguée générale de la Fondation PiLeJe, et le Dr Alain Ducardonnet, cardiologue et journaliste.
Face aux promesses de l’intelligence artificielle et des avancées scientifiques pour allonger la vie, cette journée proposera une réflexion sur les moyens de vieillir en bonne santé, mais aussi sur les questions éthiques, sociales et les inégalités que soulève cette quête. Faut-il alors revoir nos approches sur les dépistages et les traitements, cela va-t-il renforcer les inégalités, comment la collectivité prendra-t-elle en charge la population de plus en plus vieillissante ?
Le 8 décembre prochain, chercheurs, professionnels de santé et experts partageront leurs analyses, leurs travaux et leurs initiatives pour nourrir ce débat de société. Réunissant des élus, professionnels de santé, associations, institutionnels, entreprises et journalistes, les colloques annuels de la Fondation PiLeJe en présentiel et en digital connaissent un grand succès auprès des spécialistes mais également du grand public depuis plusieurs années (en 2025, plus de 340 participants en présentiel, 1000 connexions digital). Ils ont pour intention de proposer réflexions et idées sur des sujets clés de santé et de prévention.

"Vivre mieux, plus longtemps : possible pour tous ?"
Mardi 8 décembre 2026 – 9h / 12h30
Maison de la Chimie, Paris 7ᵉ et retransmission en digital en direct
Gratuit sur inscription

Une réflexion indispensable pour tous ceux qui s'intéressent à leur santé, aujourd'hui et pour les années à venir.
Lien d'inscription : [https://interview.eloquant.cloud/m1/itw/answer/s/vthctvwv7v/k/colloque1](https://interview.eloquant.cloud/m1/itw/answer/s/vthctvwv7v/k/colloque1)

À l’automne 2026, la Fondation Cartier pour l’art contemporain présente Le Temps des récoltes, une exposition d’une ampleur inédite en France de l’artiste ghanéen Ibrahim Mahama, accompagné de neuf… Ibrahim Mahama imagine pour la Fondation Cartier une entité vivante en résonance avec les centres d’art qu’il a fondés à Tamale, dans le nord du Ghana. Avec les artistes associés, il investit la totalité des espaces de l’institution, place du Palais-Royal, avec des œuvres créées spécifiquement pour le lieu, ainsi que des versions inédites de certaines de ses installations emblématiques.

Depuis sa création, la Fondation Cartier s’est affirmée comme un espace de dialogue, d’expérimentation et d’exploration artistique attentif aux lieux d’émergence de la création contemporaine et aux voix qui la traversent. Dès les années 1990, elle a joué un rôle pionnier dans la présentation d’artistes du continent africain, tels que Seydou Keïta, Bodys Isek Kingelez, Malick Sidibé, J. D. ’Okhai Ojeikere ou Chéri Samba. C’est dans cette continuité que s’inscrit Le Temps des récoltes_, première exposition parisienne d’Ibrahim Mahama qui s’associe pour l’occasion à neuf artistes et collectifs.

Ibrahim Mahama (né en 1987 à Tamale, Ghana) s’est imposé sur la scène internationale par ses installations réalisées à partir de matériaux collectés, d’archives et de fragments de patrimoine industriel qu’il réactive pour façonner de nouveaux imaginaires. Il développe depuis les années 2010 une oeuvre fondée sur l’exploration des héritages coloniaux et postcoloniaux du Ghana. S’appuyant sur l’histoire industrielle et commerciale de son pays, il interroge la circulation des biens, la transmission des savoirfaire et la préservation du patrimoine. Son travail met en lumière les continuités et les ruptures politiques, sociales et économiques, en portant une attention particulière aux infrastructures, aux traces du passé et aux dynamiques collectives.

Conçue par Ibrahim Mahama avec neuf artistes et collectifs, tous liés à lui par des collaborations, des recherches ou des échanges de longue date, l’exposition Le Temps des récoltes_ s’inscrit dans le prolongement direct de cette démarche. Elle fait écho aux trois centres d’art fondés par l’artiste à Tamale, dans le nord du Ghana, depuis 2019. Pensés comme des espaces de création, de transmission et d’ancrage local, ces centres participent à l’émergence d’un réseau d’institutions culturelles indépendantes sur le continent africain, où la pédagogie occupe une place centrale. Les centres d’Ibrahim Mahama dialoguent avec des initiatives parallèles sur le continent africain. On peut citer doual’art à Douala au Cameroun, fondé en 1991 par Marilyn Douala Bell et Didier Schaub, qui fait figure de pionnier ; le Centre for Contemporary Art Lagos (CCA) au Nigeria, initié en 2007 par Bisi Silva ; RAW Material Company à Dakar, fondé en 2008 par Koyo Kouoh ; et plus récemment le Nairobi Contemporary Art Institute (Ncai) au Kenya, ouvert en 2020 par l’artiste anglo-kenyan Michael Armitage.

Toutes ces institutions ont, chacune à leur manière, inventé de nouveaux modèles durables et en dialogue constant avec leur environnement. En résonance avec ces initiatives, l’exposition s’intéresse aux utopies politiques, culturelles et sociales formulées au moment des indépendances africaines dans les années 1950 et 1960, et propose d’en réactiver les imaginaires afin d’interroger les futurs possibles.

Pour l’exposition, Ibrahim Mahama présente de nouvelles oeuvres pensées spécifiquement pour le lieu, ainsi que des versions inédites d’une sélection de ses installations les plus emblématiques, dont Parliament of Ghosts. Cette installation, qui prend la forme d’une chambre parlementaire, est réalisée à partir de sièges ashantis traditionnels en bois sur lesquels les visiteurs sont invités à s’asseoir. L’oeuvre incarne la pratique collective et vivante d’Ibrahim Mahama, qui façonne le présent en créant des espaces de vie et de potentiels à…

Pour ses 40 ans, le musée d’Orsay remet les clés de la fête à Thomas Jolly. Sous la nef, une nuit de danse, de surprises et de joie collective se dessine. Mais pour le reste, nous ne vous révélerons rien — ou presque — de ce qui vous attend. Car les plus belles surprises sont celles que l'on découvre ensemble !

Lady Liberty. De la sueur, de l’audace, du génie au Musée des Arts et Métiers Exposition temporaire
Du 22 septembre 2026 au 1er août 2027
\> Une expérience immersive au cœur de la construction de la Statue de la Liberté
La Statue de la Liberté ou Lady Liberty, n’est pas seulement l’icône de New York et des États-Unis : elle est aussi un chef-d’œuvre d’ingéniosité… À la française ! Née dans le Paris de la fin du XIXᵉ siècle, au sein des ateliers Gaget et de celui d’Auguste Bartholdi, son édification a mobilisé des savoir-faire, des métiers et des hommes capables de repousser les limites techniques de leur époque.
À l’occasion du 250e anniversaire de la Déclaration d’Indépendance des États-Unis, le MuAM vous invite à plonger dans les coulisses de ce chantier exceptionnel, à travers un parcours de visite inédit et immersif. Entre projections vidéo, dispositifs 3D et décors réels, entrez dans les coulisses d’une œuvre façonnée dans la sueur, animée par l’audace et portée par le génie.

En immersion dans les ateliers

Des premières techniques d’agrandissement au grand départ pour New-York, l’exposition vous fait vivre, étape par étape, l’édification de Lady Liberty ! Fracas du martelage, odeur de plâtre mouillée, apparition d’Auguste Bartholdi… La déambulation sensorielle vous entraine dans l’effervescence des ateliers Gaget.
Sous ses verrières, les dispositifs immersifs révèlent la mise en forme des modèles en plâtre ainsi que la réalisation des premiers gabarits en bois, à échelle réelle. Plus loin, c’est au cœur des forges que vous êtes plongés, où chaque plaque de cuivre vient s’assembler sur des armatures métalliques. Le parcours de visite s’achève dans les entrailles de la statue, qui donnent à voir l’ingénieuse ossature conçue par Gustave Eiffel… Avant sa mise en caisse, pour son voyage outre-Atlantique.

Des matériaux et des hommes

Forgerons, menuisiers, sculpteurs, chaudronniers… Près d’une dizaine de corps de métiers, dont la plupart existent encore, s’activent alors pour donner vie à cette géante de cuivre et de fer ! Dans le tumulte des ateliers, chaque geste compte, chaque savoir-faire s’imbrique au service d’une véritable épopée collective faite de défis, de prouesses artisanales et d’expérimentations techniques.

Des morceaux de Lady Liberty

L’exposition présente des pièces iconiques, issues des collections du MuAM et sorties pour l’occasion, de ses réserves ! Modèles de la tête en cuivre et en plâtre, moulage d’une oreille, index en cuivre grandeur nature… Autant de témoins précieux qui donnent à voir, au plus près, la matière, les gestes et l’ingéniosité à l’œuvre dans cette aventure humaine et technique hors-norme.

Formation dédiée aux relais du champ social pour découvrir l'exposition permanente Le MuAM propose régulièrement des sessions de formation aux relais du champ social, pour préparer leur venue en toute autonomie avec un groupe. Ces formations gratuites leur permettent :
\- de se familiariser avec le MuAM - Musée des Arts et Métiers ;
\- d’approfondir leurs connaissances par une visite découverte des collections, de connaître l’offre culturelle ;
\- de découvrir des ressources, notamment un livret d’aide à la visite.

Qu'est-ce que le musée d'Orsay propose aux groupes du champ social ? Comment réserver et préparer votre visite de groupe ? Professionnels et bénévoles du champ social, vous êtes au plus proche de vos publics. Le musée d’Orsay vous donne les outils pour faire de chaque visite un moment d’éveil, d’échange et de plaisir.
Venez (re)découvrir le musée, préparer vos prochaines sorties et obtenir le (https://www.musee-orsay.fr/fr/articles/passpartage-lart-des-rencontres-281731).
\> (https://crm.e-deal.net/epmoo/view_digitalform.fl?code=MED_FI_FCS_041226)

Envie de fêter votre anniversaire ou celui de votre enfant dans un musée ? C'est possible au musée des Plans-Reliefs ! Choisissez parmi une dizaine d'activités pour une visite et atelier ludique… Ateliers maquette, atelier dessin, jeu de stratégie, conte, visite-enquête… Le musée propose une quinzaine d'activités pour les anniversaires pour les enfants, mais également une visite spéciale pour les adultes !

(https://museedesplansreliefs.fr/familles "Ouverture dans un nouvel onglet")

Groupe de 12 personnes maximum. Présence d'au moins un adulte accompagnateur obligatoire pour les anniversaires enfants.

Durée : entre 1h30 et 2h_

Activité possible toute l'année, sur réservation par (https://museedesplansreliefs.fr/anniversaire "Ouverture dans un nouvel onglet").